ZACK SNYDER’S JUSTICE LEAGUE: LA BATALLA ÉPICA

ZACK SNYDER’S JUSTICE LEAGUE: LA BATALLA ÉPICA

Fueron necesarios cuatro años para que se alineen los planetas. Un grupo de fanáticos que no se cansó de reclamar, un director con ganas de reivindicar su obra inconclusa, un estudio necesitado de un peso pesado para relanzarse en el mercado de las plataformas, en pleno auge durante la pandemia. Todo eso confluyó en un resultado impensado y, finalmente, vio la luz Zack Snyder’s Justice League. Se trata de la versión que originalmente pensó el director, allá por el año 2017, y quedó trunca estando casi lista. ¿Valió la pena esperar tanto?

EL CAMBIO DE DIRECCIÓN

Para entender por qué existen dos versiones muy diferentes de la misma película, con años de diferencia, hay que hacer un repaso por la historia. Warner eligió a Zack Snyder (Watchmen, 300) para llevar adelante su visión del mundo de los superhéroes de DC. Primero con Man of Steel, del 2013, y luego con Batman v Superman: Dawn of Justice, en el 2016. Esta última fue bastante mal recibida, sobre todo por el tono oscuro, pesado y algo lento. En definitiva, por ser del estilo de Snyder, bien diferente a las películas de Marvel que la estaban rompiendo. Warner tomó nota y quiso modificar su imagen pareciéndose más a lo que estaban haciendo los Avengers de la empresa rival. Sin embargo, Snyder continuó trabajando con el estudio para hacer su Justice League, con la advertencia de que debía corregir el tono. Esto, claramente, no sucedió.

La película estaba casi terminada cuando los ejecutivos de Warner la vieron y decidieron cambiar todo. Era muy oscura y excesivamente larga, todo lo contrario a lo que el mercado reclamaba. Entre varios tira y afloje, falleció la hija de Snyder en medio de la disputa, y eso terminó desencadenando la renuncia del director. Así las cosas, Warner contrató a Joss Whedon que venía de los exitazos The Avengers y Avengers: Age of Ultron. Era la fórmula del éxito. Pero Whedon tuvo que armar la película con la mayor parte del material ya terminado. Filmó nuevas escenas, retocó otras y recortó mucho. El resultado: un rejunte con algunos agujeros de guion, un tono que no se termina de definir y algunas decisiones estéticas muy discutibles. La película, luego de una realización turbulenta, fue vapuleada por la crítica.

ZACK SNYDER'S JUSTICE LEAGUE

ZACK SNYDER’S JUSTICE LEAGUE

¡LIBEREN EL SNYDER’S CUT!

Pero no estaba dicha la última palabra, porque Snyder tenía un as bajo la manga. Ante el fracaso de la versión del cine, él salió a decir que tenía su propio corte, muy diferente al que se vio, y que estaba casi terminado. Esta declaración despertó un movimiento en redes sociales de los fanáticos que le pedían a Warner que liberara el Snyder’s Cut. Y el reclamo duró años. Llegada la pandemia, la industria del cine tuvo que reconvertirse muy rápido y volcarse casi exclusivamente a las plataformas. Warner lanzó HBO Max, y necesitaba un peso pesado para competir con el resto de los streamings. Y qué mejor que darle al público lo que estaba pidiendo.

Así llegamos al presente, con el lanzamiento de Zack Snyder’s Justice League. El director retomó su visión descartando todo el material de Whedon, filmando alguna que otra cosita que le faltaba y armando el montaje final que se estrenó en HBO Max. Y, como era de esperarse, el resultado es bastante superior que el experimento anterior. Pero, independientemente de eso, lo llamativo es que la película tenía ya desde su estreno dos puntos de comparación muy fuertes. El primero, con su antecesora; el segundo, con su eterna rival.

LA RIVALIDAD CON MARVEL

Es inevitable la confrontación con Avengers. Por más que lo intentemos, sería demasiado necio no admitir, antes incluso de verla, que estamos ante un hecho comparable dentro de una competencia clara entre los dos máximos productores de historias de superhéroes. El reciente suceso híper exitoso de la creación de un universo cinematográfico por parte de Marvel (el MCU), que le permitió conformar múltiples líneas narrativas individuales que confluyen de forma planificada, tiene su correlato no tan bien desarrollado en DC. Partiendo de ahí, no podemos hacernos los distraídos y debemos admitir forzosamente la comparación.

Lo bueno, es que ZSJL no tiene nada que envidiarle a la saga de los amigos de Tony Stark. Lo malo es que, con el tiempo de retraso y los años de ventaja del MCU, tampoco tiene algo muy novedoso que aportar. Es simplemente una película de superhéroes. Una muy buena, estéticamente bien diferente, pero argumentalmente parecida a las de Marvel. Tenemos varios superhéroes que deben trabajar juntos para superar un escenario complicado. También tenemos a un villano de otro mundo que quiere destruir todo. Y tenemos unos objetos mágicos superpoderosos que son clave para la trama. No hay nada muy disruptivo, el argumento es más bien clásico. De hecho, tomado simplificadamente, es bastante parecido al de Avengers.

ZACK SNYDER'S JUSTICE LEAGUE

ZACK SNYDER’S JUSTICE LEAGUE

DOS UNIVERSOS

Sin embargo, hay una diferencia fundamental en la construcción de ambos universos. Marvel fue dando pequeños pasos, lanzando películas individuales de cada personaje y varias en las que todos se reunían con diferentes misiones. Fue un proyecto muy elaborado, planeado al detalle. En cambio, Warner fue mucho más directo. Las dos películas anteriores de Snyder se suceden cronológicamente y van planteando la historia central, además de presentar a los personajes principales de Superman (Henry Cavill) y Batman (Ben Affleck). Luego se estrenó Wonder Woman de Patty Jenkins, aunque el personaje interpretado por Gal Gadot ya había aparecido en Batman v Superman. Y así, al toque, llegamos Justice League de Whedon, donde no solo se reúnen los ya mencionados, sino que se suman Aquaman (Jason Momoa), Flash (Ezra Miller) y Cyborg (Ray Fisher).

Esta velocidad en la conformación del universo generó algún que otro malestar. No tanto por no explotar individualmente a los personajes, cosa que se irá subsanando luego con películas como Aquaman (James Wan) del 2018 o The Flash, programada para el año que viene. El problema central es que estos personajes pasan a formar parte de la Liga así como así, sin ningún antecedente que nos permita conocer su historia. Y esto nos lleva analizar una de las diferencias principales entre la versión de cine y la de Snyder.

DIFERENCIAS DE GUIÓN EN JUSTICE LEAGUE

Lo primero que nos llama la atención, y que fue una de las causas del conflicto, es la duración de ZSJL. Son cuatro horas y dos minutos. Sí, larguísima, pero al verla no parecería sobrarle mucho. Todo está ahí por algo, todo tiene un motivo y sirve a la construcción de la historia. Y lo más importante, y que marca una distancia clave con respecto a la versión de Whedon, es que deja el tiempo suficiente para explorar con mayor profundidad el pasado y los rasgos esenciales de los personajes que se presentan. Cuestiones que aparecían arbitrariamente, ahora tienen un porqué, un fundamento narrativo.

Por supuesto, esta no es la única diferencia entre ambas versiones. Quizás la más relevante desde la trama sea la presencia de Darkseid. Si bien el principal antagonista de los superhéroes en ambos casos es Steppenwolf, en el Snyder’s cut este tiene una motivación mucho más justificada, ya que trabaja para complacer a un villano superior. La aparición de Darkseid es una de las tantas puertas abiertas que Snyder dejó para una hipotética continuación. Hoy sabemos que, lamentablemente, esa continuidad no existirá, ya que Warner considera como canon a la versión de Whedon, en donde todo esto fue recortado. Y, de existir una Justice League 2, será partiendo de la versión de cine.

ZACK SNYDER'S JUSTICE LEAGUE

ZACK SNYDER’S JUSTICE LEAGUE

LA ESTÉTICA ÉPICA

Al margen de estos cambios, el argumento de la película es básicamente el mismo. Sin duda, los mayores cambios están en el apartado estético. Algunos retoques como el traje negro de Superman o el rediseño digital de la armadura de Steppenwolf son notorios, pero no dejan de ser detalles. La estética general es completamente diferente, partiendo desde una relación de aspecto de 1.33:1. Esto significa que el campo visual de la imagen es casi cuadrado, a diferencia del panorámico al que nos tiene acostumbrado el cine. Esta elección, muy acorde al gusto del director, intenta darle un toque más similar a una página de cómic. Sumado a una utilización muy frecuente del super slow motion, llegando por momentos a imágenes estáticas, se siente como si estuviéramos apreciando los mejores cuadros de una historieta.

Esta ralentización de las escenas le agrega gran dramatismo a varios momentos, haciendo que la película en conjunto tenga un tono mucho más solemne, épico y oscuro. Es el tono de Snyder. Ya no tenemos esos chistes absurdos de la versión de Whedon, o el gancho romántico en la relación de Bruce Wayne/Batman y Diana Prince/Wonder Woman. De hecho, esta última ya no aparece sexualizada y tiene una actitud mucho más progre, similar al tono de las películas de Jenkins. ZSJL es una obra profundamente seria, todo apunta a generar ese clima, bien diferenciado de las películas de Marvel. Una paleta de colores mucho más apagada, con menos saturación y brillo, apuntando a los contrastes más sutiles. Y una banda sonora a cargo de Junkie XL más acorde al tono oscuro, o el tema de Nick Cave en lugar de los White Stripes en la presentación de Aquaman.

No hay mucho más que decir, salvo que definitivamente vale la pena ver Zack Snyder’s Justice League. Por toda la controversia que se generó, por su historia llena de idas y vueltas, por el accionar incansable de la legión de seguidores que reclamó durante años. Pero también por el valor estético. Por ser fiel a una visión de lo que es (o debería ser) el cine de superhéroes. Porque no intenta copiar una formula, y se la juega con un estilo propio. Porque es la obra de un autor que, guste o no, sabe lo que quiere decir y lo plasma en cada una de sus películas.

TED LASSO: LA VICTORIA DE MANTENERSE POSITIVO

TED LASSO: LA VICTORIA DE MANTENERSE POSITIVO

 Un divorcio, un club de fútbol y un americano con poco conocimiento deportivo. Tres ingredientes, aparentemente incombinables, se unen en una fórmula perfecta: Ted Lasso. La comedia de Apple Tv Plus no solo fue una caricia al alma en el 2020 pandémico, sino que cosechó varios Critic Choice Awards y un Golden Globe para su protagonista en la temporada de premios. 

 Jason Sudeikis interpreta a Ted Lasso, un norteamericano que desembarca en el club inglés de fútbol RC Richmond sin conocer ninguna técnica o jerga del mismo. La idea original surge a partir de un dúo de comerciales en la sección deportiva que la cadena NBC lanzó cuando la primera liga inglesa desembarcó en el canal allá por el 2013. Fue Olivia Wilde, ex mujer de Sudeikis, quien sugirió ampliar la premisa en formato serie.

TED LASSO: LA VICTORIA DE MANTENERSE POSITIVO

Es así como durante los 10 capítulos de la serie, que ya cuenta con dos temporadas más confirmadas, el coach debe ingeniárselas para convivir con los insultos de los hinchas cuando su inexperiencia vaticina un descenso inevitable. Mientras se pregunta qué le ven de interesante a esa agua marrón llamada té, hace video llamadas con su familia del otro lado del mundo. intenta que los once jugadores sigan su entrenamiento poco convencional  y se frustra cuando sus referencias pop permanentes no son reconocidas por los ingleses, Ted Lasso construye un mensaje que excede al mundo deportivo.

THE EMPTY MAN: MALDICIONES VACÍAS

En su primer día de trabajo, con un cartel que dice “Believe” (cree), este entrenador con acento country, comienza a deconstruir los egos y masculinidades del mundo del fútbol, que en la mayoría de los casos tan tóxicas resultan. Haciendo a un lado la competencia y agresividad, Lasso prioriza los valores. Honestidad, amistad y respeto por el espacio del otro, son el verdadero trofeo.

 TED LASSO Y LA SENSIBILIDAD DE SUS PERSONAJES

 Adaptarse no es fácil. Lejos de su familia y con medio Londres en su contra, Ted Lasso nunca baja los brazos. Con un humor que no cae en lo tonto, también se permite momentos vulnerables. El personaje se hace querer, dentro y fuera de la pantalla. “El cielo sabe que lo intenté” dice la canción de Mumford and Sons que suena en los créditos de apertura. Y si algo hace este coach es intentar.

 Con personajes bien construidos que van desde un acomodador tímido que pide permiso por todo, a un goleador estrella que hace del amor propio un defecto, esta comedia nos recuerda la importancia del trabajo en equipo por más cliché que suene. Reconociendo a cada eslabón que hace posible que los once jugadores salgan a la cancha.

 Uno de los retratos de amistad entre mujeres, mejor logrados del último tiempo es el de Rebecca (Hannah Waddingham), la firme directora del club, y Keeley Jones (Juno Temple) algo así como una influencer londinense. Dos figuras con suma importancia a lo largo de la trama, que a partir de las tensiones propias del campo deportivo abordan temas más profundos tales como el tratamiento mediático de un divorcio. Y cuán dañino puede resultar, para uno mismo, vengarse de otro. 

CONCLUSIÓN

La serie resulta tan original y cálida que más que verla, se la siente. Con el miedo ante lo desconocido propio de dos culturas chocando que puede resultar un yankee en un pub, Ted Lasso viene a ponernos la mente en el juego. Un líder de bigote simpaticón que baila en los vestuarios y festeja cumpleaños a pesar de haber perdido, cree en los recorridos más que en los resultados. Pero por sobre todo cree, como dice el cartel de su oficina, en lo que somos capaces como humanos. Lo demuestra con las moralejas que, con una creatividad descomunal, les enseña a su equipo. No importa si entendemos o no el sabor del té. Cuando las intenciones son buenas, todos terminan adaptándose a tu forma de jugar. 

AKELARRE: UNA REVISIÓN SOBRE LA CAZA DE BRUJAS

AKELARRE: UNA REVISIÓN SOBRE LA CAZA DE BRUJAS

La brujería forma parte de un repertorio que sirve como fuente de inspiración al cine desde hace mucho tiempo, especialmente en el género del terror. Ritos satánicos, poderes de seducción y magia negra se han visto en incontables ocasiones. Sin embargo, siempre hay lugar para contar una historia diferente, y eso es lo que hace Pablo Agüero (Eva no duerme) en Akelarre. Más bien drama antes que horror, más aventura que suspenso, más relato histórico que fantástico. La coproducción española-argentina, estrenada el año pasado y ganadora de varios premios Goya, acaba de llegar a Netflix e inmediatamente se convirtió en una de las más vistas de la plataforma.

AKELARRE

AKELARRE

UNA REIVINDICACIÓN HISTÓRICA

Basada en un relato histórico, aunque con una interpretación libre, Akelarre está ambientada en el País Vasco Francés en el año 1609. El juez Rostegui De Lancre (Alex Brendemühl) es encomendado por el Rey a limpiar esa zona de cualquier posible bruja. Cumpliendo su tarea, manda a apresar a Ana (Amaia Aberasturi) junto con sus cinco amigas. Se las acusa de haber participado del Sabbat, un ritual satánico en que se invoca al diablo para iniciarse en la brujería. Como si fuesen Scheherazade en Las mil y una noches, las chicas intentarán ganar tiempo con sus testimonios para evitar ser quemadas en la hoguera.

TROLL 2: LA MEJOR PEOR PELÍCULA DE LA HISTORIA

Algo interesante de Akelarre es su mirada fuertemente contemporánea de un hecho histórico. La película está inspirada en los relatos de un juez que, efectivamente, se dedicó a la caza de brujas en el País Vasco. Por supuesto, leer esa crónica hoy nos resulta horrorizante ya que muchas mujeres fueron condenadas a morir en la hoguera. Pero la reescritura que hace Agüero, junto con la coguionista Katell Guillou, es esencialmente feminista. Es una suerte de reivindicación de las mujeres condenadas por la justicia religiosa y patriarcal en una época sumamente cruel. Esa fuerza revisionista no deja de expresarse de una manera bella y llena de sutilezas.

AKELARRE

AKELARRE

LA MAGIA DEL AKELARRE

Akelarre  no es una película de terror, ni un thriller. Y no pretende serlo. Es, más bien, un drama histórico. Igualmente, el ritmo de la narración nunca deja de ser interesante, y crece en tensión hasta el éxtasis final, que no decepciona. No solo la historia es atrapante, sino que el enfoque le da una vitalidad muy actual. Una combinación de leyenda medieval, relato de época y conciencia del presente que dan como resultado algo pocas veces visto. Agreguemos una fotografía que destaca por su belleza y composición a través de los contrastes de luces y sombras, logrados de manera magistral. Y, por qué no, unas actuaciones que están más que a la altura, sobre todo por parte de las cinco compañeras de Ana, todas ellas debutantes en la gran pantalla, que aportan frescura sin perder la seriedad.

A pesar de ser una puesta en escena mayormente realista, la película cuenta con infinidad de recursos narrativos y visuales. La atmósfera va adquiriendo una magia y  hermosura en las imágenes que no es para despreciar. Algunos planos directamente parecen obras de arte de Caravaggio o de Rembrandt. El claroscuro al estilo barroco carga de significación cada cuadro y a cada personaje. La utilización de la cámara en punto de vista de distintos personajes, en momentos clave, es precisa. Una narración en off contradice lo que vemos en la pantalla, a modo de engaño. Y una deliberada omisión en el encuadre en la última escena que no podría ser más oportuna. En fin, una demostración de técnica en el modo de contar la historia que hace de Akelarre una película verdaderamente diferente.

WONDER WOMAN 1984: ACCIÓN SIN INNOVACIÓN

WONDER WOMAN 1984: ACCIÓN SIN INNOVACIÓN

Gal Gadot vuelve a ponerse el traje de Mujer Maravilla en “Wonder Woman 1984”, la nueva apuesta de DC y Warner Bros, que se estrena en la Argentina tras el regreso de los cines.

Esta película funciona como una suerte de “antítesis” de su predecesora, Wonder Woman (2017). Ambas contaron con la dirección de Patty Jenkins. Situada 66 años después de la original, esta nueva entrega vibra con colores fuertes y cálidos, con escenas llenas de acción y dinamismo. WW1984 parece pensada para un público más infantil que la anterior, ya que no se centra tanto en la profundidad de los personajes sino que va directamente a la acción.

Esta historia tiene lugar en medio de la Guerra Fría, con una Diana que sufre la pérdida de su gran amor. La lucha de la protagonista es tanto externa (contra Cheetah y Maxwell Lord) como interna, ya que debe enfrentarse a la contradicción entre sus deseos más profundos y su deber como heroína.

wonder woman

GRANDES ACTUACIONES 

Gal Gadot demuestra en este filme que nació para ser la Mujer Maravilla. Su carisma traspasa la pantalla y la determinación y pasión con la que actúa la vuelven digna de un rol para el que Lynda Carter dejó la vara altísima.

Volver a ver a Chris Pine es una grata sorpresa aunque su personaje no tiene mucho más para ofrecer. Sus intervenciones dan el toque humorístico de la película ya que vemos a un Steve que desconoce muchas cosas del mundo “moderno”. Sin embargo, funciona más como un “punto de evolución” para Diana que como personaje en sí mismo. De todas maneras, es interesante la forma en que lo trajeron de vuelta (como una suerte de espíritu o alma en el cuerpo de otra persona).

5 CLAVES SOBRE LA IMPORTANCIA DE WANDAVISION EN EL MCU

Más allá de la pobre construcción de sus personajes (de la que hablaremos más adelante), Pedro Pascal y Kristen Wiig brillan en sus papeles de villanos y se roban la pantalla en cada escena. 

LOS VILLANOS: EL PUNTO MÁS DÉBIL

La ecuación en la fórmula de éxito de las películas de superhéroes se completa con la existencia de uno o más villanos. Siempre con historias trágicas, con pasados que explican sus acciones y que hacen que el espectador llegue a empatizar con su crueldad. En el caso de la nueva película de DC, son dos los antagonistas y sus destinos se entrecruzan en la trama.

Por un lado, tenemos a Maxwell Lord (Pedro Pascal), un empresario al que la necesidad de demostrar su valor como persona lo lleva a una desmedida e incontrolable sed de poder que no hace más que empeorar. Se vuelve una suerte de “genio de la lámpara” que concede deseos con trampas, ya que él recibe algo para sí a cambio de lo que concede. Solo al final se puede “entender” el por qué de sus actos, pero su historia no se aleja del típico cliché que ya se ha visto repetido infinitamente.

Por su parte, el personaje de Kristen Wiig, Cheetah, carece de un trasfondo que pudiera “justificar” su maldad. Sí, evidentemente la ambición, las ganas de “ser alguien” y de destacar en un mundo en el que era invisible funcionan como motor de sus actos pero ¿es suficiente para convertirse en villana? Hay una especie de odio injustificado mezclado con testarudez que no le permiten reflexionar acerca de la forma en que sus actos afectan al resto. 

El guión y la construcción de los personajes fallan en este punto y no alcanza con las buenas actuaciones de Pascal y Wiig para que sean villanos memorables.

wonder woman

WONDER WOMAN: VOLVER A LOS 80

Como su nombre lo indica, Wonder Woman 1984 es un boleto de ida a los años ochenta. Esto es algo que puede percibirse tanto en el plano visual (vestuario, peinado y escenografía) como narrativo. La historia habla de tiempos más simples y transmite la nostalgia a quienes vivieron esta época. 

Visualmente, la temática ochentosa la vuelve atractiva y luminosa. Sin embargo, en lo que respecta a la trama, la película habla en un tono moralizador que es típico de las producciones de la época en que está situada pero que, en la actualidad, resulta simplemente cansador. Ya se ha visto en innumerables producciones hollywoodenses el mensaje de que la ambición desmedida solo destruye y que es fácil corromperse ante ella. 

Cerca del final, podemos ver la cantidad de tragedias que se pueden evitar cuando no interfiere la incontrolable sed de poder. El tinte aleccionador de estas escenas -construídas como imágenes de archivo- se posiciona como un claro mensaje al público pero no surte efecto.

El filme también explora la importancia y el valor de tomar el camino más difícil, el de la honestidad y la verdad, para poder triunfar y prosperar. Este también es un mensaje repetido ad infinitum en las producciones cinematográficas, por lo que no hay ninguna moraleja innovadora en esta historia.

ENTRE EL EMPODERAMIENTO Y LA CONTRADICCIÓN

En WW1984 pueden encontrarse ciertas contradicciones, producto del descuido o de detalles que se pasaron por alto. Mostrar a los villanos con un poder magnificado no se condice con la resolución del filme, ya que son fácilmente derrotados.

De todas maneras, la contradicción principal tiene que ver con el mensaje que se intenta transmitir en contraposición con lo que efectivamente se transmite. El filme intenta constantemente dar un mensaje de empoderamiento femenino, no solo con el personaje de Diana sino también con Bárbara Minerva enfrentándose a un acosador.  Sin embargo, que gran parte del argumento vaya en torno a la dependencia emocional de Diana para con Steve ayuda poco a construir esta imagen de mujer empoderada. 

En conclusión, Wonder Woman 1984 es una secuela entretenida y visualmente atractiva pero pobre. El desarrollo de los personajes y de las distintas subtramas no convencen y la vuelven fácilmente olvidable. 

 

5 CLAVES SOBRE LA IMPORTANCIA DE WANDAVISION EN EL MCU

5 CLAVES SOBRE LA IMPORTANCIA DE WANDAVISION EN EL MCU

¿Por qué Wandavision es una producción tan importante para el futuro de Marvel Studios?

Cuando Kevin Feige anunció la realización de una serie protagonizada por Wanda Maximoff y Vision, todo fue alegría para los fanáticos. Sin embargo, con el correr de los meses, se conoció que el nuevo programa de Marvel para Disney + adoptaría la estética de una comedia de los años 50.

En ese momento, todo fueron dudas e incertidumbres. Tanto para los fanáticos más exigentes como los espectadores casuales, sintieron el miedo de que Marvel, tal vez por primera vez, estuviera a punto de cometer un grave error.

‘Comedia’, ‘Marvel’ y ‘años 50’, eran tres términos que no parecían encajar en ningún producto que sucediera a Avengers Endgame.

Sin embargo, Wandavision lo hizo.

En este artículo destacamos (solo) 5 razones por las que Wandavision será considerada como una de las mejores series de 2021.

1 – WANDAVISION: ¿QUÉ C@RAJ#S ESTAMOS VIENDO?

Hasta el más fanático de los espectadores se lo debe haber preguntado durante los primeros dos episodios de la serie.

Es cierto, Elizabeth Olsen y Paul Bettany, no había dudas de que se trataba de un producto de Marvel. Sin embargo, durante esas primeras emisiones resultó imprescindible apelar a la paciencia y confianza de saber que, más tarde que temprano, la trama se revelaría y cada elemento encontraría su lugar.

Esta decisión creativa de Marvel destierra la idea de que la compañía (al igual que Disney), siempre apuesta por lo seguro y no es valiente a la hora de arriesgarse por nuevas y originales narrativas.

Wandavision-Episodio-1

2 – UNA APUESTA MUY ARRIESGADA

¿Superhéroes? Si. ¿Personajes conocidos? También.

Sin embargo, los primeros episodios de Wandavision resultaron más que desconcertantes.

Luego de la euforia inicial por el estreno de un producto de Marvel después de un año de ausencia en las pantallas, las primeras críticas negativas fueron demoledoras.

Cientos de fanáticos alrededor del mundo consideraron que un producto en blanco y negro que replicaba el formato de viejas y olvidadas comedias norteamericanas, no se encontraba a la altura de las expectativas.

Esta insólita apuesta de Marvel fue radicalmente opuesta a cualquier preconcepción sobre la búsqueda creativa y experimental que pueda tenerse sobre el estudio. La paciencia y confianza invertida, rindió sus frutos antes del final.

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3 – APLAUSOS PARA ELIZABETH OLSEN

Hace tiempo que Elizabeth Olsen se roba los aplausos en cualquier película o serie que la incluya como protagonista. Lo hizo con papeles arriesgados como el que le tocó interpretar en Martha Marcy May Marlene (2011) pero también con pequeñas interpretaciones como las de Liberal Arts (2002),  Godzilla (2014) o Wind River (2017).

No obstante, la enorme cantidad de matices y registros que tuvo que abarcar para interpretar a Wanda Maximoff a lo largo de las décadas ha sido su consagración absoluta como actriz.

Además de colgar de arneses para volar y manipular energía con sus manos, Olsen apeló a cada una de sus lecciones de teatro para abarcar escenas de comedia, drama, acción o suspenso a lo largo de toda la serie.

Junto con magníficas actuaciones de Paul Bettany y la enorme sorpresa de Kathryn Hahn para encarnar a Agatha Harkness, Wandavision se posiciona como una clara nominada a los premios de la TV en 2022.

Wandavision-Elizabeth-Olsen-Wanda-Maximoff

4 – SCARLETT WITCH Y SU HISTORIA DE ORIGEN

Volviendo a Marvel y a pesar de que Wanda Maximoff ha participado en 5 películas del MCU, Wandavision constituye su historia de origen.

Lejos de lo que cualquier fanático podía imaginar, este apenas ha sido el inicio de Wanda Maximoff en el MCU.

Es probable que, luego de su participación en Doctor Strange and The Multiverse of Madness, la historia de Scarlet Witch continúe en diferentes series y películas enfocadas en estos personajes.

Si bien Kevin Feige confirmó que no habrá segunda temporada de Wandavision, resulta probable que debido al éxito y repercusión que la serie tuvo entre fanáticos y no tanto, la historia de Wanda continúe en su propia serie o, ¿por qué no? en una nueva trilogía de películas con su nombre.

Wandavision-Elizabeth-Olsen

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5 – TODO COMIENZA CON WANDAVISION

Es cierto, Wandavision ha sido la historia de origen de Scarlett Witch y ha mostrado la evolución de Wanda Maximoff. Sin embargo, Marvel aprovechó para plantar las bases de otros estrenos que detallamos a continuación:

SECRET INVASION 

La serie protagonizada por Samuel L. Jackson y Ben Mendelsohn en sus papeles de Nick Fury y Talos, adaptará uno de los arcos argumentales más importantes de los cómics de Marvel.

En esta saga, una malvada fracción de Skrulls se infiltra en diferentes agrupaciones para planificar una despiadada invasión. En Wandavision, existieron dos escenas con referencias a la próxima serie de Disney+.

La primera es apenas una teoría escrita por Jimmy Woo en un pizarrón en el que se menciona a los Skrulls como posibles responsables de los sucesos de Westview. La segunda, es una de las escenas postcréditos en la que una agente del FBI se muestra en su forma Skrull original para hablar con Monica Rambeau.

CAPITANA MARVEL 2

Desde su primera intervención en la serie, Monica Rambeau ha demostrado no necesitar ningún tipo de superpoder para ser considerada una superheroína.

Siempre dispuesta  a hacer lo correcto, Rambeau expuso su cuerpo y su integridad física en múltiples ocasiones. Su empeño y determinación la llevaron a adquirir habilidades especiales que la convertirán en un importante personaje de la Fase 4.

¿Será Photon o Spectrum? Tendremos que esperar hasta la próxima película protagonizada por Brie Larson para descubrirlo.

YOUNG AVENGERS

Tommy y Billy Maximoff aparecieron y desaparecieron de la misma manera. Sin embargo, la escena postcréditos nos revela que Wanda se encuentra cerca de volver a localizarlos.

Sin ninguna pista de su paradero, su reaparición en el MCU resulta un hecho debido a la manifiesta intención de Marvel de establecer a Los Jóvenes Vengadores como nuevo grupo de superhéroes.

Kamala Khan (Ms. Marvel), Cassie Lang (Ant-Man and The Wasp Quantumania), Kate Bishop (Hawkeye) y América Chávez (Doctor Strange and The Multiverse of Madness), son algunos de los miembros de Los Jóvenes Vengadores que llegarán a nuestras pantallas en futuras producciones de Marvel.

Para ese momento, Tommy y Billy Maximoff no solo habrán regresado al MCU, también habrán crecido hasta convertirse en adolescentes e igualar en edad a los personajes antes mencionados.

AGENTES DE ATLAS

Si bien hasta el momento, esta nueva serie de Marvel para Disney + solo existe en el imaginario popular, los rumores indican que continuará la historia desarrollada en Shang-Chi and The Legends of The Ten Rings.

¿Cuál es el vínculo entre esta agrupación y Wandavision?

En los cómics de Marvel, Jimmy Woo es uno de los agentes de esta agencia.

Para concluir, Wandavision ha sido un producto mucho más arriesgado de lo que cualquiera habría imaginado antes de darle play por primera vez. Lo cierto es que luego de un visionado completo, queda claro que es un gran producto de Marvel, un interesante programa de televisión y un show que apenas constituye el punto inicial para todo lo que vendrá a continuación.

RAYA Y EL ÚLTIMO DRAGÓN: UN GRAN ACIERTO

 

THE EMPTY MAN: MALDICIONES VACÍAS

THE EMPTY MAN: MALDICIONES VACÍAS

Desde su nombre, es tentador relacionar a The Empty Man con películas intrascendentes como Beware the Slenderman o The Bye Bye Man. Con una trama detectivesca y 137 minutos de duración, la ópera prima de David Prior propone algo radicalmente diferente, aunque no del todo efectivo. En esta adaptación de la novela gráfica de Cullen Bunn, hay una puja de géneros y tonos que termina arruinando los excelentes climas que logra la película. Dentro de The Empty Man coinciden notas de The Ring, Se7en, Noroi y True Detective, pero no es una convivencia armoniosa.

THE EMPTY MAN

THE EMPTY MAN, ENTRE LA MONTAÑA Y LA CIUDAD

El “hombre vacío” (The Empty Man) del titulo, es una entidad monstruosa que ataca al ser llamada. Los  componentes básicos de la maldición son bien tradicionales: la invocación requiere de un puente y una botella, luego de tres días de acoso, el espectro asesina a quien lo despertó. Se trata de lugares comunes en el horror, sobre todo en el cine japonés, una de las influencias más claras de Prior. Para explicar estas cuestiones sencillas el director optó por un prólogo de 22 minutos ambientando en las montañas del Sur de Asia. Si bien está perfectamente construido, a la larga, solo suma a la ya excesiva duración de la película.

De la nieve y las alturas pasamos a la ciudad de Missouri, donde conocemos a James Lasombra (James Badge Dale), un ex policía con un pasado traumático. La desaparición de una adolescente lleva a Lasombra a investigar la leyenda urbana del Empty Man y a una organización misteriosa que parece estar implicada. En este tramo de la historia es donde aflora el currículum del director. David Prior trabajó durante años dirigiendo los “detrás de escena” de las películas de David Fincher, desde Panic Room a The Girl With the Dragon Tattoo. La influencia de Fincher es notoria en la dirección, la estética y el montaje, incluso en la pesadumbre de los personajes.

THE EMPTY MAN

ENTRE EL TERROR Y EL POLICIAL

Hay muchas cosas positivas en The Empty Man. La puesta en escena es prolija y tiene momentos virtuosos en cuanto a encuadres y fotografía. La referencia estética de Se7en y Zodiac encaja a la perfección con los tramos de investigación y suspenso. James Lasombra no es un personaje interesante, está construido a partir de un trauma y un secreto, pero funciona bien dentro de los códigos del detective duro.

The Empty Man tiene varias cosas en común con The Ring y Noroi: The Curse, en particular como la puesta en escena va acompañando el descenso a la locura del protagonista a medida que desentraña el misterio. En uno de los mejores momentos de la película, Lasombra encuentra un campamento abandonado y es testigo de un ritual cuasi pagano. Sin revelar demasiados detalles, en esa escena están en perfecto equilibrio el suspenso detectivesco y terror surreal. Es una lástima que no se mantenga a lo largo de todo el film.

LA MALDICIÓN DEL EXCESO

Una cuestión recurrente en las óperas primas de ficción es el afán por meter todas las ideas posibles sin ningún tipo de filtro. David Prior incluye algunos detalles de montaje y manipulación de la imagen que no se ven bien. En las escenas de mayor intensidad se cortan fotogramas para sumar impacto, pero el efecto es artificioso. Sobresaltarse por cosas que pasan rápido es un reflejo natural, pero lo que sigue no es la catarsis que genera el terror, sino el tedio de un jumpscare mal usado. Hay un leitmotiv sobre objetos que giran, pero aparece de forma aleatoria y es abandonado al final. Si en una película algo se repite pero nunca se re significa ni se explaya, estamos en problemas.

Prior tampoco pudo construir un villano efectivo, hay una imprecisión bastante molesta respecto a reglas que rigen a The Empty Man. Esa vaguedad es un gesto Lovecraftiano, en sus cuentos, H.P. Lovecraft evitaba describir el mal ya que escapaba al entendimiento humano. En el papel funciona, pero el monstruo de Prior se materializa cual dementor con un CGI bastante irregular. Hacia el final se esboza una explicación metafísica incomprensible tanto para el protagonista como para el espectador. Si bien hay una vena surrealista que tiñe todo el viaje de Lasombra, esa conclusión tan extraña resulta tramposa.

THE EMPTY MAN

UNA APUESTA FALLIDA

The Empty Man es un lanzamiento inusual para 20th Century Studios. No es común ver terror tan ambicioso y extravagante producido por estudios grandes. Lamentablemente la ópera prima de David Prior no logra cerrar sus ideas ni justificar su duración. Tiene muchos méritos, pero la suma de buenos momentos no da como resultado una buena película.