CRIMES OF THE FUTURE: UN ENSAYO SOBRE EL CUERPO

CRIMES OF THE FUTURE: UN ENSAYO SOBRE EL CUERPO

No es la primera vez que David Cronenberg (The Fly, Cosmopolis) titula una de sus películas Crimes of the Future. Ya lo había hecho en 1970 en uno de sus primeros largometrajes, antes incluso de Shivers (1975), donde ganó bastante popularidad. Sin embargo, el propio director se encargó de aclarar que no hay relación entre las películas, aunque podemos sospechar que sí. Hay algunos puntos de contacto con aquella de los 70s, pero lo más interesante es que una idea se pueda haber desarrollado durante tanto tiempo en la mente del creador. Casi como si fuera un órgano que crecía en su interior.

Y es que justamente Crimes of the Future cuenta la historia de un artista performativo al que no paran de crecerle órganos nuevos, sin función aparente. Saul, interpretado por Viggo Mortensen (Eastern Promises), realiza sus actos como si fuesen cirugías en la que se extirpa esos órganos-tumores. En realidad, quien realiza la cirugía es Caprice, su compañera y amante, encarnada por Léa Seydoux (La vie d’Adèle). En un mundo futurista donde ya no existe el dolor ni las infecciones, las personas se vuelcan por intervenir sus propios cuerpos como una expresión del arte. “La cirugía es el nuevo sexo” dice Timlin, Kristen Stewart (Spencer), una burócrata fascinada con el arte de Saul.

CRIMES OF THE FUTURE

CRIMES OF THE FUTURE

EL FUTURO YA LLEGÓ

El mundo que construye Cronenberg en este film es futurista, pero no tanto. Está a la vuelta de la esquina de nuestro presente. También es sombrío, oscuro, desolador, pero de ningún modo es apocalíptico. Es un mundo fronterizo, donde todo está en transformación, donde parece que un cambio de paradigma está al caer y ya no hay vuelta atrás. Incluso los personajes se preguntan varias veces si lo que están haciendo es abrir una puerta a un mundo nuevo. Hay un riesgo constante que se percibe en el aire, los peligros están ahí, tanto afuera como adentro.

No es posible mirar una película de David Cronenberg y salir indiferente. Te perturba, te aterra, te disgusta o te asquea, o un poco de todo eso a la vez. Porque el director canadiense posee una impronta que afecta, o infecta, al espectador de manera intempestiva. Es cierto que no todas sus películas exploran los mismos temas o abordan conflictos similares, pero el componente impresionante siempre está, y Crimes of the Future no es la excepción. Se dice que es el regreso de Cronenberg a “la nueva carne”, ese estilo/género que supo construir en los 70s. Una combinación de parte orgánica y parte máquina en el cuerpo humano, imágenes horrorosas pero también emocionantes, sensibles e incluso sensuales y sexuales.

CRIMES OF THE FUTURE

CRIMES OF THE FUTURE

UN CRONENBERG TOTAL

La última etapa de Cronenberg, la del siglo XXI, se fue alejando del body horror para contar historias más psicológicas, más mentales y más reflexivas. Allí están A History of Violence, Eastern Promises, A Dangerous Method, Cosmopolis y Maps to the Stars. El foco pasa a estar en las relaciones de poder, el crimen organizado, el capitalismo o el psicoanálisis, dejando de lado un poco (solo un poco) su preocupación por el cuerpo.

Esto no significa que antes no haya habido un componente político en sus historias. Nadie puede decir que en Videodrome o incluso en The Fly, no haya política. Una política del cuerpo, entendida con los ojos del siglo XXI, sobrevuela toda la obra del genial director. Pero en las últimas películas la psicología tenía un peso superior al cuerpo que en las primeras. En Crimes of the Future, combina esa “nueva carne”, esa muestra visceral y cruda de cuerpos mutilados, mutados, desgarrados, con una reflexión profunda sobre los cuerpos, la autoridad, el consentimiento, el concepto de arte, la subversión, la vida.

Las performance de Saul pueden ser un acto de conservadurismo, en contra de los cambios en los cuerpos. Pero a su vez, su propio cuerpo es modificado e intervenido, que en definitiva es lo que hace a los cuerpos mutar. ¿Qué es natural y qué es artificial? Dentro de este mundo apenas futurista, habrá quienes crean que existe una evolución natural de los seres humanos. También habrá detractores, y habrá un Estado preocupado por el control, por imponer una lógica estable y consciente, por rotular lo “humano”.

CRIMES OF THE FUTURE

CRIMES OF THE FUTURE

¿QUÉ ES CRIMES OF THE FUTURE?

Crimes of the Future es una película extraña, Cronenberg puro y duro. Tendrá un recorrido corto en salas (solo en la Lugones por algunas semanas) y después pasará a estar disponible en Mubi. Tal vez sea una de las últimas películas del director de 79 años, que ya ha comenzado una especie de cierre a su carrera con el corto The Death of David Cronenberg, del año pasado. Quizás por eso esta película retoma un título que estaba presente al comienzo de su carrera. Quizás, también, por eso resuenan referencias a piezas clásicas de su filmografía como The Fly  o Videodrome. Y quizás, esa maestría lograda con los años le haya permitido una conjunción con precisión quirúrgica entre sus dos principales etapas como director.

Se dice que puede ser un alegato en contra de la intromisión del Estado en las decisiones sobre el cuerpo. No creo que sea tan así. Si bien los policías y los burócratas intervienen, digamos, “negativamente”, no queda claro el rumbo en el que las personas transformarán sus cuerpos. La palabra “evolución” sobrevuela la cinta de punta a punta, pero no hay un defensa de las libertades, no hay una reivindicación de la anarquía. Hay incertidumbre y peligro que brota por todos lados. Solo parece salvarse el arte, esa forma que tiene la humanidad de pensarse a sí misma y, en este mundo futurista, declarar sobre sus propios cuerpos.

 

Datos:

Año: 2022.

Duración: 107 min.

Dirección: David Cronenberg.

Guion: David Cronenberg.

Elenco: Viggo Mortensen, Léa Seydoux, Kristen Stewart.

Plataforma: Cine, Mubi.

LIGHTYEAR: LA NUEVA AVENTURA ESPACIAL DE PIXAR – VIDEOREVIEW

LIGHTYEAR: LA NUEVA AVENTURA ESPACIAL DE PIXAR – VIDEOREVIEW

Lightyear es la nueva aventura de Pixar que toma un personaje de la emblemática saga de Toy Story para contar una historia a pura ciencia ficción. La película es, nada más y nada menos, que la que vio Andy en su infancia y por la que pidió que le regalaran el muñeco Buzz Lightyear. 

En Spin-Off Radio (Rock&Pop 87.9) charlamos sin spoilers sobre ella:

 

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DESESPERADA: UNA MADRE DISPUESTA A TODO.

DESESPERADA: UNA MADRE DISPUESTA A TODO.

Desesperada (the desperate hour -antes también llamada “Lakewood”-, 2022) no es un thriller del montón. Es de las películas contadas en tiempo real, cuya trama se sostiene a lo largo de 84 minutos, con una Naomi Watts como única protagonista, dispuesta a todo por su hijo.

 

SINOPSIS

Amy Carr (Naomi Watts) recibe una llamada con noticias terribles: las autoridades persiguen a un tirador activo y es posible que su hijo adolescente, Noah, esté metido en el embrollo. En lo más profundo de una red de caminos forestales que rodean su casa, a kilómetros de la ciudad y casi abrumada por el pánico, Amy se niega a sucumbir a la desesperación. Con su móvil como único medio de intervención, recurrirá a todos los recursos que se le ocurran para que su hijo sobreviva al ataque.

 

PARAMOUNT+: ESTRENOS DE ABRIL

La historia arranca de una manera muy tranquila: vemos a una familia en una escena cotidiana, los chicos tienen que ir a la escuela y mamá tiene que hacer sus cosas cotidianas. En el momento en el que Amy (watts) decide salir a correr solo con sus llaves y su smartphone, las cosas se empiezan a complicar.

 

PERDIDOS EN EL BOSQUE

Desde el principio el filme te lleva a través de la ansiedad del caos cotidiano de una madre sostén de familia: llamadas del trabajo, familia, quehaceres, amistades. Todo resulta transformarse en algo que al espectador le genera un poco de nerviosismo.  Lo cotidiano se transforma en caos cuando Amy está en el medio del bosque, a kilómetros de su casa, y se entera que hubo un tiroteo en la escuela de su hijo.

 

Tal y como indica su titulo en inglés, el filme pasa a ser una hora de desesperación, que transcurre en su totalidad con Watts en medio de un bosque, intentando por todos los medios llegar a su familia.

A medida que avanza la trama vamos conociendo momentos y sucesos de la vida de Amy, sin necesidad de ser expresado con diálogos, empezamos a conocer un trasfondo que nos daría a entender que conocemos al culpable del tiroteo.

La trama se mantiene solida en sus casi 90 minutos gracias a la impecable actuación de Watts, quien nos hace vivir los sentimientos y la angustia de su personaje ante una situación desesperante y desconocida. Las únicas interacciones de su personaje son enteramente a través de llamadas.

aunque no es una película perfecta, ya que podemos cuestionar algunas de las decisiones tomadas por Amy, el filme entretiene y mantiene a los espectadores aferrados a la butaca, esperando saber cual será el desenlace.

 

EL DRAMA DE LO COTIDIANO

Podría decirse que desesperada es una llamada de atención sobre los efectos que causan los tiroteos sobre la salud mental de los involucrados, directa o indirectamente. Se habla de que, en Estados Unidos, ocurren diez tiroteos escolares al año. Un fenómeno que está presente en el país desde 1972 y fue en aumento exponencial en los últimos 20 años.

no queda más que preguntarnos ¿Cómo actuaríamos ante una situación similar?

LOS TIPOS MALOS: NO ESTÁ BUENO SER BUENO

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THE EYES OF TAMMY FAYE: EL SHOW RELIGIOSO

THE EYES OF TAMMY FAYE: EL SHOW RELIGIOSO

Con dos nominaciones a los premios Oscar, la nueva película de Michael Showalter (The Big Sick) se aleja del tono de comedia del director. En este caso, aborda un drama basado en hechos reales. Más concretamente, en la historia de la telepredicadora Tammy Faye, quien supo construir un imperio junto a su marido. The Eyes of Tammy Faye tiene un abordaje humano sobre un personaje polémico, que ha tenido gran relevancia para la religión y la televisión estadounidense.

La historia comienza con una jovencita, que sufre al no ser aceptada en la iglesia por el pasado de su madre. Pero, gracias a su carisma (o a un milagro), logra adentrarse en el mundo religioso y llega a convertirse en predicadora. Entonces, Tammy Faye, interpretada por Jessica Chastain (Zero Dark Thirty), conoce a Jim Bakker, encarnado por Andrew Garfield (Tick, Tick… Boom!), un predicador del cual se enamora. Juntos comienzan a viajar por los pueblos dando sermones, hasta que un golpe de suerte los convierte en estrellas de televisión. A partir de ahí, comenzarán un ascenso en la tevé religiosa que cobrará proporciones insospechadas.

THE EYES OF TAMMY FAYE

THE EYES OF TAMMY FAYE

LA CAÍDA DE TAMMY

The Eyes of Tammy Faye cuenta esta historia desde una mirada íntima, muy centrada en el personaje de Tammy. El ascenso casi desde la nada misma, el éxito y la caída, para dar lugar a un último momento de redención, aunque ya sea tarde. La popularidad que logró la pareja de predicadores es impresionante. Con más de 20 millones de televidentes en todo el mundo, construyeron la mayor red religiosa televisiva. A esto se suma un parque temático y varios proyectos paralelos. Todo esto, por supuesto, les valió varios detractores y algún que otro enemigo.

Tras la caída, Faye se convirtió en el objeto de burla preferido de los cómicos de entonces. Su personaje, tan estrafalario, de gestos exagerados, fue caricaturizado hasta el hartazgo. Una clara muestra de misoginia, ya que su marido, a pesar de haber terminado preso, no corrió con la misma suerte. Es que Tammy era la más carismática, y eso no se lo perdonaron. A pesar de que jamás pudieron demostrar que ella haya cometido un delito, quedó manchada por el escándalo del cual su marido era responsable.

THE EYES OF TAMMY FAYE

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LA PELÍCULA DE JESSICA CHASTAIN

Esta aparente injusticia fue la que llevó a la propia Chastain a convertirse en productora de The Eyes of Tammy Faye. Cuando vio un documental hecho en el 2000 (con el mismo nombre que esta película), la inspiró a contar esta historia. Ella creía que la vida, los medios y la sociedad habían sido muy crueles con la predicadora. En cambio, nadie había reparado en los valores de amor y tolerancia que promovía en sus shows y sus canciones.

Podríamos decir que The Eyes of Tammy Faye es la película que Jessica Chastain quiso hacer. Gracias a ella, recibió su tercera nominación al Oscar. Antes, había sido nominada por Zero Dark Thirty (2012) como actriz protagónica (al igual que ahora) y The Help (2011) como actriz de reparto. ¿La tercera será la vencida? Lo cierto es que hace méritos más que suficientes para estar ternada. La manera en que transmite una personalidad luminosa, casi al punto de resultar irritante por momentos, es genial. Se puede ver la fragilidad, la extravagancia y el carisma de Tammy, al igual que su calidez. Además, como si fuera poco, también hace los covers de las canciones de Tammy con su propia voz.

THE EYES OF TAMMY FAYE

THE EYES OF TAMMY FAYE

ENTRE LA ESTAFA Y LA REIVINDICACIÓN

Es más que interesante el dilema moral que plantea la película. Por un lado, es inevitable sospechar de la increíble fortuna que van amasando a medida que los fieles hacen donaciones. Todo muy turbio. Y, aunque la película no lo explicita, e incluso puede ser demasiado naif con sus protagonistas, sí levanta sospechas. Sobre todo en el rol de la madre, interpretada por Cherry Jones. Ella desconfía constantemente del origen y el uso del dinero. Y ya en el siglo XXI, resulta imposible no asociar este tipo de telepredicadores a simples estafadores.

Pero, por otro lado, hay una reivindicación más que válida de los valores que Tammy transmitía. Es cierto que los discursos de amor al prójimo forman parte de la fe religiosa. Pero ella iba un poco más allá, y The Eyes of Tammy Faye lo hace notar. Tal es así, que se convirtió en una referente para movimientos LGTBIQ+ cuando pocas figuras públicas se animaban a alzar la voz por ellos. Ese gesto es doblemente meritorio si tenemos en cuenta el contexto de las instituciones religiosas. Sin ir más lejos, Tammy entrevistó, en vivo y para millones de espectadores, a un predicar homosexual con VIH, en un momento donde la discriminación era la norma general.

Esa doble mirada sobre el fenómeno de Tammy Faye hace de la película algo sumamente interesante. En líneas generales, es reivindicatoria, pero no por eso deja de remarcar ciertos puntos oscuros. The Eyes of Tammy Faye no es condescendiente con sus protagonistas. Más bien, ofrece una mirada humana sobre un personaje polémico, intentando rescatar las valiosas contribuciones que ha hecho. Puede parecer demasiado edulcorado, pero no deja de ser una ficción disfrutable y entretenida.

STUDIO 666: TERROR Y ROCK AND ROLL

STUDIO 666: TERROR Y ROCK AND ROLL

Las biopics de músicos y artistas están más de moda que nunca. Relatar de manera ficcional la historia de una estrella parece ser una fórmula que funciona muy bien. Distinto es que los propios artistas hagan una ficción sobre sí mismos. Los Foo Fighters se proponen esto en Studio 666, una sátira/homenaje al terror ochentoso. El resultado es desparejo y bastante caótico, pero bueno, ¡así es el rock and roll!

No es la primera vez que una banda de rock se embarca en una película ficcional de sí misma. A lo largo de los años, hay muchos ejemplos de estos. A Hard Day’s Night  de The Beatles, muestra un día de la mítica banda de Liverpool en el medio de la beatlemanía. Mucho más política es The Wall, hecha por Pink Floyd, retratando la vida de una superestrella del rock, aunque ellos mismos no aparecen en escena. Más cerca en el tiempo tenemos la genial 8 Mille, donde Eminem interpreta a un personaje fuertemente inspirado en su experiencia personal. Así y todo, no es tan fácil mencionar alguna banda que haya hecho una ficción de género, no autobiográfica, interpretándose a sí misma. Studio 666 lo hace.

STUDIO 666

STUDIO 666

¿BASADA EN HECHOS REALES?

La premisa de la película es bastante simple. La banda Foo Fighters está preparando su décimo álbum y el productor Jeremy Shill (Jeff Garlin, Curb Your Enthusiasm) necesita que salga cuanto antes. Así, les propone a Dave Grohl y compañía que lo graben en una mansión en Encino, California, con una legendaria historia de rock. Convencidos por la acústica del lugar, los músicos aceptan y comienza la accidentada grabación. Lo que ellos no saben es que, años antes, una tragedia que involucró a otra banda de rock ocurrió en ese lugar. Y, al parecer, las fuerzas malignas que intervinieron entonces siguen estando en esa casa.

Una cosa curiosa sobre Studio 666 es que la idea surge a partir de una experiencia real. Cuenta el propio Grohl que, mientras grababan en esa misma locación su álbum Medicine at Midnight lanzado en 2021, varias cosas raras pasaron. Instrumentos que se desafinaban, sonidos extraños en las cintas grabadas y demás cuestiones misteriosas. Se dice que incluso hay videos de estos sucesos, pero no pudieron ser publicados ya que la banda firmó un contrato de confidencialidad porque la casa se encuentra a la venta.

STUDIO 666

STUDIO 666

ROCKEROS JUGANDO A SER ACTORES

El terror, el gore y el humor son los pilares de Studio 666. Se trata de una parodia sin malicia a un género ya clásico como los slayer de los 80. Es casi un homenaje al estilo de la saga de Evil Dead. Muertes bizarras y absurdas, toneladas de sangre, desmembramientos y tripas, forman parte del menú, todo con ciertos toques de humor. Gags y chistes que van desde lo más básico, hasta referencias musicales y a otros artistas (incluyendo un cameo muy gracioso). El rock, por supuesto, está presente en toda la película, e incluso se bromea con la idea del “tema épico” con el que Grohl se obsesiona particularmente.

Las actuaciones son, ni más ni menos, que las de un grupo de rock. Es ya conocido el carisma que suele mostrar Grohl en los videos y apariciones públicas. Obviamente, es quien mejor se mueve delante la cámara. Pero el resto de los músicos tienen, por momentos, destellos de gracia. Por ejemplo, Pat Smears, uno de los guitarristas, es tan duro para actuar que recuerda lo mejor del cine clase B. Taylor Hawkins, el batero, jamás aprendió su libreto e improvisó la mayoría de sus líneas. En un contexto paródico, disparatado y absurdo, no solo no desentonan, sino que resultan graciosos y acertados. Transmiten la sensación de estar divirtiéndose mientras filman una película.

STUDIO 666

STUDIO 666

PARA FANÁTICOS DEL ROCK

Tal vez lo más flojo de Studio 666 sea el montaje y la edición. Hay errores que podrían haberse evitado fácilmente y sin embargo están ahí. ¿Puede ser intencional? No parece, ya que no es una constantes. Da la impresión de que se les escapó la tortuga. Además, se pierde un poco el ritmo a partir del punto medio y termina resultando algo larga para lo que tiene que decir. Incluso, un poco previsible.

Studio 666 se filmó en secreto, durante el aislamiento por la pandemia. La idea es fresca, con buenas intenciones, algunos aciertos y otros tantos puntos flojos. Cuenta con un cameo del gran John Carpenter (Halloween, The Thing, They Live), que además colaboró con la banda para componer el tema inicial. Ese referente invaluable del género indica a las claras que se trata de un homenaje. Con el estreno en la misma semana en que la banda se presenta en el Lollapalooza, Studio 666 es un regalo para los fanáticos. Aunque no vaya a quedar en la historia, resulta entretenida para los amantes del rock y el terror más gore, y se deja disfrutar.

 

LOS TIPOS MALOS: NO ESTÁ BUENO SER BUENO

LOS TIPOS MALOS: NO ESTÁ BUENO SER BUENO

Los tipos malos es la comedia animada que viene a borrar la clara línea divisoria entre el cine infantil y el cine para adultos. Con una trama interesante que no apela solamente a los mas pequeños, la película logra mantener a toda la familia pendiente de los pasos de esta banda infame.

Los tipos malos

SINOPSIS

Nadie ha fallado tanto en intentar ser buenos como Los Tipos Malos. En la nueva comedia de acción de DreamWorks Animation, basada en la exitosa serie de libros, una banda de animales exitosos en el crimen está a punto de afrontar su mayor desafío-convertirse en ciudadanos modelo. Nunca hubo cinco amigos tan infames como Los Tipos Malos – el preciso carterista Sr. Lobo, el ladrón que lo ha visto todo Sr. Serpiente, el tranquilo maestro del disfraz Sr. Tiburón, el musculoso Sr. Piraña y la hacker experta Srita. Tarántula. Pero cuando, después de años de numerosos atracos y de ser los villanos más buscados del mundo, la pandilla es finalmente capturada, el Sr. Lobo rompe un trato (que no tenía intención de mantener) para salvarlos a todos de prisión: Los Tipos Malos serán buenos.

UN LOBO FEROZ PROTAGÓNICO

Si hay un estudio que nos demostró que es capaz de sacarle jugo a los villanos de los cuentos, es Dreamworks. En este caso, la historia se centra en el villano preferido de los cuentos de niños: el lobo. En el film lo tenemos acompañado de su equipo de logística asemejándose a una versión apta para todo publico de Reservoir dogs. Es imposible evitar la comparación después de la primera escena de la película en la que vemos a Lobo y Serpiente desayunando en un bar. 


Los tipos malos está basada en los personajes de los libros escritos por Aaron Blabey, que hasta la fecha consta de quince libros. (si, leyeron bien: Quince.) En este caso, el guión estuvo a cargo de Hilary Winston (Community) y Etan Cohen (Tropic Thunder).

La película los presenta a este grupo de delincuentes bastante fuera de lo normal, que se dedican a cometer robos grandes como si fuera algo que conocen de memoria. Este grupo ya lo tiene todo. Sin embargo, cuando la gobernadora Diane Foxington decide otorgar el delfín de oro al benefactor de la ciudad, el profesor Mermelada, sus ingeniosas mentes se ponen en marcha para robarse el premio.

Aunque su plan parece infalible, a último momento terminan presos, pero para salir impunes, Lobo decide hacer un pacto: serán buenos durante un tiempo a cambio del perdón de la ciudad. Aunque lo utilizarían como anzuelo para dar un nuevo golpe y limpiar el buen nombre del equipo… aunque quizás esta vez disfruten de ser buenos.

CIELO GRANDE: ENTREVISTA CON FER Y JUAN MONZO

La película deja de lado los clichés del cine infantil, para dar espacio a una increíblemente curada animación que va de unos fondos hiperrealistas a unos juegos de iluminación propios de las pelis de robos o de persecuciones policiales.

ATENCIÓN AL DETALLE

Pero si hay algo que destaca es el diseño de los personajes: Lobo y Diane parecen extraídos de las series infantiles que tanto nos gustaba ver a la generación que creció tanto en los 80 como en los 90. nos encontramos con personajes que se nos vuelven familiares desde el comienzo. Y la mezcla de estilos de animación se agradece y se disfruta mucho, al momento de sacarle rendimiento a la expresividad de los personajes. Aunque sus cuerpos están modelados en 3D, los ojos están superpuestos en 2D, consiguiendo un resultado formidable que les aporta personalidad y por momentos demuestra mucho la influencia de la animación japonesa, además de resaltar rasgos y dar enfasis a algunas escenas. También así se deja también entrever algo del estilo de las ilustraciones de los libros de Blabey, los que actualmente encabezan varias listas de ventas a nivel internacional.

No cabe duda que Los tipos malos es una gran opción para toda la familia, que entretiene de principio a fin y logra la afinidad necesaria para atrapar desde el más pequeño hasta el más grande. 

BAJO LA CORTEZA: EL FUEGO Y LA CULPA

 

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