LOKI: 5 RAZONES PARA DEJARSE ENGAÑAR POR MARVEL

LOKI: 5 RAZONES PARA DEJARSE ENGAÑAR POR MARVEL

Loki, la nueva serie de Marvel protagonizada por Tom Hiddleston, llegó a la pantalla de Disney + para cautivar, una vez más, a todo los fanáticos. En medio de tanta expectativa, el primer episodio de la serie logró llamar la atención y cosechar numerosos elogios entre la crítica especializada.

A continuación, te contamos las claves por las que durante las próximas semanas todo el mundo hablará de Loki.

1 – LOKI Y SU GLORIOSO PROPÓSITO

El título del primer episodio se relaciona con su aparición en The Avengers de 2012. En consecuencia, la serie se vincula con un instante del MCU en el que este personaje se considera un villano. Al igual que en los cómics de Marvel, Loki fue el primer antagonista al que Los Vengadores tuvieron que enfrentarse. Sin embargo, en el MCU, siempre contó con buena consideración por parte de los fans.

Debido a su personalidad, a la interpretación de Tom Hiddleston y a lo sencillo que resulta identificarse con la problemática existencial de Loki, este personaje siempre contó con el cariño del público. En consecuencia, su camino de redención, lo llevó a convertirse en la primera y dolorosa víctima de Thanos en Avengers: Infinity War.

El personaje que vemos en la serie aún no se ha redimido y se siente muy cerca de alcanzar su “glorioso propósito”.

En consecuencia, el espectador puede cuestionarse su actual consideración por Loki. Después de todo, este villano aún pretende doblegar al mundo. Además, Tom Hiddleston puede desplegar su enorme talento para exhibir matices que parecían haber quedado olvidados en el tiempo.

CALENDARIO MARVEL PARA 2021 Y 2022

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2 – DISEÑO DE PRODUCCIÓN

Con esta serie, Marvel avanza varios pasos hacia el futuro del MCU. Si bien el show es autoconclusivo, presenta varios elementos que pueden ser clave para los futuros acontecimientos. 

El diseño de la TVA (entidad conocida de los cómics pero que debuta en el MCU), ha sido realizado desde cero para esta serie. Sus instalaciones cuentan con estética y colores que la diferencian de cualquier otra escenografía que hayamos visto en series y películas.

Lo mismo sucede con los conceptos relacionados con el tiempo y espacio en el que transcurren los eventos. En este caso, también permiten teorízar sobre futuras tramas y ambientaciones que no han sido mencionadas hasta el momento.

3 – TRAMAS Y SUBTRAMAS

Al hablar de una serie de Marvel, debemos hacer mención a las capas argumentales que construyen la historia. Siguiendo la reciente costumbre de sus shows, podemos afirmar que nada será lo que a primera vista parece.

En Wandavision, todo comenzó como una divertida e indescifrable sátira que se convirtió en un doloroso relato sobre el duelo. Por su parte, en Falcon y El Soldado del Invierno, el legado del escudo dejó lugar a una trama de racismo y opresión que se convirtió en el argumento principal de la serie antes del final.

En este caso, la serie pretende entretenernos con incógnitas y viajes en el tiempo mientras Tom Hiddleston y Owen Wilson se lucen frente a la pantalla. Sin embargo, debajo de la superficie, se perciben temáticas que pueden convertirse en el argumento principal.

4 – GUIÑOS Y REFERENCIAS

Otro clásico de Marvel es incluir guiños y referencias conocidas por los lectores de los cómics.

Si bien Kate Herron (directora de Loki) ha declarado que la serie no adapta ningún arco comiquero, no faltarán referencias y guiños a sus viñetas. Por otra parte, formando parte del MCU, la serie incluye varios detalles que se relacionan con eventos de las películas de Marvel.

Sin ir más lejos, en el primer episodio podemos encontrar varias de ellas.

Como si fuera poco, para llevar sus series a una nueva dimensión, Marvel introduce elementos de nuestra realidad en su universo. Como ejemplo, podemos mencionar el caso de la Josta Cola, bebida producida por Pepsi entre 1991 y 1995 y el inconcluso caso de DB Cooper

LA IMPORTANCIA DE WANDAVISION EN EL MCU

Tom-Hiddleston-Owen-Wilson-Loki

5 – MUCHAS INCÓGNITAS

Si no genera teorías por parte de los fanáticos, no parece ser una serie de Marvel.

El argumento de Wandavision inundó las redes sociales con especulaciones de todo tipo. Si bien con la serie de Falcon y Bucky no sucedió lo mismo, es de esperar que Loki recuperé la intensidad que tuvo el show de La Bruja Escarlata.

Los viajes en el tiempo, las variantes de Loki, la inminencia del Multiverso y las conjeturas sobre los posibles villanos, comienzan a ganar espacio en portales especializados y sitios de referencia. Aunque nadie se sorprenderá si al final de la serie ninguna de estas teorías llega a buen puerto, ¿quién podrá discutirnos lo bien que la pasamos teorizando sobre ellas?

Está claro que el debut de Loki no ha dejado a nadie indiferente. En consecuencia, es de esperar que la repercusión de la serie aumente con el transcurrir de los episodios.

Con solo seis entregas, la fiebre de Loki se hará notar a lo largo del próximo mes y medio y, en este caso, te aconsejamos dejarte contagiar para disfrutarla al máximo.

Contanos qué te ha parecido el primer episodio de Loki y cuáles son tus teorías sobre los próximos capítulos de la serie. 

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BO BURNHAM INSIDE: MUCHO MÁS QUE HUMOR

BO BURNHAM INSIDE: MUCHO MÁS QUE HUMOR

¿Cómo hacer humor cuando se acaba el mundo? ¿Cómo hacer reír en la pandemia? Esas son las preguntas que se planteó el multifacético Bo Burnham (Eighth Grade) cuando empezó a filmar su especial Inside. No sabemos si encontró la respuesta, pero sin dudas él mismo lo logró en esa casi hora y media que dura el programa de Netflix. Y no solo se trata de hacernos reír, hay mucho más para ver en esa genialidad sin forma definida.

Primero lo primero: ¿quién es Bo? Como tantos otros comediantes de los últimos tiempos, comenzó su carrera haciendo videos de YouTube en el 2006. Tras el éxito en visualizaciones, logró meterse en la programación de Comedy Central y MTV. Y ahí empezó a hacer un poco de todo: giras en teatros, escribió la serie Zach Stone Is Gonna Be Famous y la película Eight Grade, que también dirigió, e incluso estrenó su especial de humor en Netflix, Make Happy. Siempre con un estilo muy particular, una forma de hacer humor que en el fondo muestra algo más. Exponiendo su intimidad a un nivel insospechado y a fuerza de reflexiones profundas, logra hacernos ir de la risa a un estado de total angustia existencial en cuestión de segundos. Por momentos es totalmente desconcertante.

INSIDE

INSIDE

UN ESPEJO DONDE MIRARSE

Durante la pandemia, surgieron infinidad de expresiones sobre lo que estábamos viviendo. Blogs, canales de Youtube, diarios personales, registros en redes sociales. Por lo general, nada lograba llenar las expectativas de ser el testimonio vivo de lo que estaba pasando. Inside podría haber sido un producto más para sumar a la lista. Pero, a diferencia de la gran cantidad de contenido sin profundidad que circula, este compilado de momentos aparentemente inconexos llega a tocarnos una fibra muy íntima. Es mucho más que un diario de la cuarentena.

Podríamos decir que es una crítica a la forma de consumir los medios, pero no desde el moralismo. Más bien desde remarcar que son, justamente, medios: algo que está entre una cosa y otra, entre un ser humano y otro. Y eso genera una multiplicidad de personas en una persona, según cómo se muestra en cada red social. Inside es un poco eso, un recorrido por esa multiplicidad asfixiante y depresiva. El encierro vino a mostrarnos que no es tan fácil convivir con nosotros mismo.

También es un especial musical de comedia y, a la vez, la bitácora documental de un hombre intentando hacer un especial musical de comedia. Está lleno de referencias meta: juegos con la cámara, tomas de Bo mientras edita los clips que acabamos de ver, comentarios sobre cómo viene siendo la filmación. Es una exploración autorreflexiva de la performance como expresión artística, de las posibilidades del humor en medio del desastre. Ese poder que tiene el humor, cuando está bien hecho, de imponerse aún en los peores contextos.

INSIDE

INSIDE

GENERANDO CONTENIDO

En su gran parodia social, atraviesa todos los avatares de nuestra era, que ya son cliché. Desde el videoclip hasta el videoblog, pasando por un perfil de Instagram, un streaming de videojuegos, un video-reacción de YouTube o una conversación por Facetime. Cualquier formato funciona en Inside como plataforma para el humor, pero más aún para transmitir una sensación que envuelve todo. Desesperación, angustia, miedos, en el medio de las risas.

Cuando empezó la cuarentena, se habló mucho sobre la posibilidad de aprovechar este tiempo para hacer algo significativo. Se decía, en aquel entonces, que si Shakespeare había escrito El rey Lear durante la plaga, tal vez esta pandemia nos dejaría alguna obra maestra. Después nos dimos cuenta de que ya era suficiente presión intentar sobrevivir como para sumarle otra exigencia. Pero hay algo paradójico en Inside que le responde a esa idea. Por un lado, el mensaje parece contradecirla totalmente: no estamos en condiciones mentales de algo tan ambicioso. Por otro, el resultado es tan genial que podemos decir que estamos frente a la obra maestra de Burnham. Sin proponérselo, o intentando ir en contra, tal vez lo haya logrado.

LISEY´S STORY: UN RELATO PERSONAL DE STEPHEN KING

LISEY´S STORY: UN RELATO PERSONAL DE STEPHEN KING

Duelo, tristeza, melancolía y misterio. Así comienza Lisey’s Story, la serie de Apple TV basada en una novela de Stephen King.

LISEY´S STORY DE STEPHEN KING

La Historia de Lisey nos enfrenta a personas, literalmente, rotas. Desde un principio, tanto los encuadres, como la música y el color, deja en claro la melancolía y tristeza que rodea a los personajes. Además del misterio y el dolor por el pasado, las relaciones familiares determinan el desarrollo de los acontecimientos.

Julianne Moore transcurre la mayor parte del tiempo en pantalla. Tal como su nombre lo indica, los episodios se basan en su historia mientras el resto de los personajes giran a su alrededor. Por su parte, Clive Owen es quien impulsa la trama con esporádicas pero relevantes apariciones.

Una historia de Stephen King debe presentar algún misterio durante los primeros minutos y así lo hace Lisey´s Story. El rompecabezas se construye con piezas que los protagonistas revelan a lo largo de cada capítulo. Si bien no parece existir una gran incógnita por resolver, la trama principal se desarrolla a lo largo de diversas incertidumbres.

De manera involuntaria, Lisey se ve envuelta en una verdadera búsqueda del tesoro imaginada por su marido tiempo antes de fallecer. Por lo tanto, las únicas incógnitas con las que el espectador cuenta al momento de sacar conjeturas, son las mismas que la protagonista obtiene a lo largo de su búsqueda.

Mientras tanto, el duelo, los recuerdos y las relaciones familiares condicionan el camino de Lisey para que todo resulte incluso más perturbador.

THE STAND: NI TAN MAL, NI TAN BIEN.

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SI SABEN CÓMO SE PONE, ¿PARA QUE LO ADAPTAN?

Un relato de Stephen King sin el elemento extraño, no sería un relato de Stephen King. En Lisey´s Story, el misterio llega con la misteriosa creatividad de Scott Landon, el protagonista. Mientras que para el escritor, las historias son producto de extrañas pesadillas que lo atormentan, el mundo entero las celebra y lo idolatran por escribirlas.

¿Cuánto de su propia experiencia habrá volcado King en las páginas de Lisey ‘s Story?

El autor adora esta novela y afirma que se trata de una de sus historias más autorreferenciales. En consecuencia, el espectador encontrará muchas similitudes con la vida del escritor.

La lucha de King para publicar su primer libro; la pelea contra sus demonios interiores, la creatividad perversa y el vínculo con Tabitha, su esposa de toda la vida, son algunos de los elementos de la vida real que pueden verse en La Historia de Lisey.

En consecuencia, el autor ha sido el encargado de adaptar la historia y convertirla en un guión para una serie de ocho episodios. Esta vez, al parecer, ningún detalle quedó librado al azar.

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DETRÁS DE LISEY´S STORY

La dirección se encuentra a cargo de Pablo Larraín. El chileno se luce con planos y secuencias que hipnotizan al espectador y que son utilizados en función de la historia. Por su parte, la saturación de colores destaca la sombría oscuridad de casi todos los personajes.

Después de protagonizar Children of Men, Julianne Moore y Clive Owen repiten como personajes principales en esta serie. Aunque es ella quien se lleva la mayor cantidad de minutos frente a la cámara, ambos resultan convincentes en sus interpretaciones. La intensidad de Lisey, parece reservarle un lugar especial a Julianne Moore entre las futuras críticas televisivas.

Jennifer Jason Leigh, Joan Allen y Ron Cephas, se encuentran entre los personajes secundarios más importantes. Es necesario mencionar especialmente a Dane DeHaan (The Amazing Spiderman 2) ya que en los dos primeros episodios deja en claro que se encuentra compitiendo en otra liga.

Los misterios a resolver en Lisey´s Story son varios y cualquier mención a alguno de ellos podría ser considerado spoiler. Por lo tanto, vale destacar que, aunque la historia se construye de a poco, el punto de partida de la misma es lo suficientemente convincente como para aferrarse a la serie y no soltarla hasta el final.

Tanto lectores de la novela como simples espectadores televisivos, se verán cautivados por La Historia de Lisey y su búsqueda del tesoro. Aunque el camino hacia el descubrimiento no depara nada bueno, seguro que los fanáticos del género encontrarán la manera de disfrutarlo.

STEPHEN KING Y LAS ADAPTACIONES DE SU NOVELA IF IT BLEED

REVIEW – UN AMOR MEMORABLE

REVIEW – UN AMOR MEMORABLE

How I am supposed to live without you, now that I’ve loving you so long” (cómo se supone que viviré sin tí si te he amado por tanto tiempo”), se preguntaba Michael Bolton en una de sus canciones y también es la inquietud de Sam (Colin Filth) en Supernova (en español, “Un amor memorable”), la película que se estrenó ayer en versión digital.

Tusker (Stanley Tucci) es un célebre escritor al que le diagnostican demencia y su enfermedad, pese a ser incipiente, comienza a hacer mella en su vida. Sam, su pareja, un músico de renombre, teme en silencio que llegue el día en que él no lo reconozca, pero tiene en claro que seguirá ahí hasta el final.

La pareja emprende un viaje por Gran Bretaña en una casa rodante, lo que le da al filme un estilo “road movie” que es muy bien llevado a cabo por Dick Pope, encargado de la fotografía. Este viaje es tanto real como metafórico: los personajes transitan las rutas del país y la de la vida misma, con destino incierto pero teniéndose y sosteniéndose mutuamente.

POLVO DE ESTRELLAS

Además de escritor, el personaje de Tucci es aficionado por la astronomía. El viaje les permite paradas para observar las estrellas y un diálogo en torno a ello da origen al título original de la película: Supernova. 

“Estamos hechos del mismo material que las estrellas”, es la premisa que guía el diálogo y que permite comprender de qué manera percibe este personaje la vida, frente a su final inminente.

UN TEMA DIFÍCIL, BIEN EJECUTADO

La película no apela a golpes bajos y eso de por sí es destacable, ya que con la temática que trata es muy sencillo caer en el cliché y apelar a la compasión del público y la lágrima fácil. El recorte temporal que hace el filme -luego del diagnóstico pero antes de que la enfermedad se manifieste en todo su potencial- contribuye a ello.

Los personajes tienen un carácter lo suficientemente fuerte como para enfrentar con entereza la adversidad. “Un amor memorable” explora un tema sensible, sin caer en la crudeza que sí vimos, por ejemplo, en “The father”, con la brillante interpretación de Anthony Hopkins.

“Quiero ser recordado por quien yo fui, no por quien estoy a punto de convertirme” es quizás una de las frases más duras del filme y que retrata a la perfección cómo se vive este padecimiento.

REVIEW – CRUELLA: CUANDO EL MAL SE VISTE BIEN

LOS PROTAGONISTAS DE UN AMOR MEMORABLE

Tucci y Filth demuestran en este filme que son merecedores de todos los premios que tienen en su haber. Muestran una química impecable -producto de su amistad de larga data y de la cantidad de películas que compartieron- y encarnan a sus personajes de forma sumamente creíble.

Sensible, humana y cálida: “Un amor memorable” es la película romántica que no sabías que necesitabas. 

¿Dónde se puede ver? El film está disponible a través del sistema de cine online Cining, en el que se pueden adquirir accesos en las webs de Cinemark Hoyts o Atlas Cines. Una vez realizada la compra, el usuario recibirá un mail con un código único para ver la película.

Un amor memorable

 

REVIEW – CRUELLA: CUANDO EL MAL SE VISTE BIEN

REVIEW – CRUELLA: CUANDO EL MAL SE VISTE BIEN

El mercado de la nostalgia sigue agregando live actions de aquellos clásicos de Disney que veíamos para perdernos entre colores, momentos musicales y todo tipo de escenarios, sin analizar tanto todo. Con la llegada de Disney Plus pareciera haber uno nuevo todos los meses al cual diseccionar hasta el infinito. Tras el tropiezo que fue Mulán la carismática Emma Stone toma la posta en Cruella, película que no da puntada sin hilo.

Hacemos uso de el dicho popular, porque nuestro personaje principal se mueve por intereses. La película se enfoca en la juventud de la villana. En la que secretos de familia y, por sobre todo, la sed de protagonismo que la competencia del mundo de la moda exige, conducirán a forjar la personalidad responsable de aquel famoso tapado hecho de piel de dálmatas, años más tarde. 

LA CALMA ANTES DE LA TORMENTA

Con un muy bien logrado acento inglés, acompañado de su distinguible voz áspera, Emma Stone nos relata la infancia de Estella, a la que personificará años después en la Londres de los años 70.

Estella es una niña prodigio que combina estampados y bocetea siluetas de alta costura con total naturalidad, mientras se mete en problemas gracias a su innata rebeldía. Su pelo bicolor, al que la madre intenta pasar desapercibido con un sombrero, para preservarla de las críticas de extraños, es uno de los tantos signos ocultos, pero que siempre estuvo ahí, que luego desembocará en la Cruella que todos conocemos.

Tiempo después, y tras un duelo inesperado, vemos a una Estella de melena colorada que encontró su manada: Horacio (Paul Walter Hauser) y Jasper (Joel Fry), sus dos compañeros de piso y secuaces. Estella los usará de excusa para desplegar todos sus dotes creativos en infinidad de disfraces con los que robarán y harán de las suyas  para mantener el estilo de vida que desean, pero no pueden permitirse.

CRUELLA: CONSTRUIR UNA VILLANA A PARTIR DE OTRA

Como regalo de cumpleaños, Estella consigue trabajo en la tienda de sus sueños: Liberty’s. Una tienda de gusto refinado, pero quedada en el tiempo. No pudiendo quedarse quieta, el personaje de Emma Stone interviene una vidriera, en la que resalta un vestido poniendo su marca propia. Su audacia, es lo que llama la atención de la icónica diseñadora: Baronesa von Hellman, la villana de la cinta.

Emma Thompson, construye un personaje sumamente desagradable. Que desprecia todo lo que no encaja en sus estándares, y que aprovechará cualquier ventaja para mantener su estatus de privilegio.

Es aquí donde inevitablemente podemos caer en comparaciones con El Diablo Viste a la Moda (2006) .La aprendiz con grandes ideas pero inexperta en el negocio, y la ya consolidada maestra de gusto exquisito que logró construir su imperio por no reparar en sus modos.

Todo va bien, Estella no tiene inconvenientes con el nivel de exigencia, crear vanguardias es para lo que ella nació hasta que secretos del pasado, reavivan la culpa y vergüenza de Estella.

El choque entre ambos personajes, y la constante competencia, siempre con elegancia y estilo, dejarán a la sensible Estella atrás, para poner en el centro de la pasarela a la despiadada Cruella.

Una genio de la moda, con creaciones rockeras y poco convencionales, del que ni la prensa ni la Baronesa conocen su origen. En los diálogos entre ambas Emmas, cobra fuerza la dosis de humor sarcástico que personajes tan poco amigables como éstos, utilizan para marcar territorio. Ambas actrices hacen excelente uso de los silencios y miradas cargadas de desprecio para regalarnos momentos de tensión permanente al mismo nivel que un depredador y su presa.

Desde aquí, el despliegue de vestuario se apodera de la escena. Desde un vestido en llamas que inevitablemente nos recordará a Katniss Everdeen, a un número musical donde el blanco y el negro nos recuerdan que la figura de los dálmatas, se reduce a meras referencias en paletas cromáticas, desaprovechando así a los perros verdaderos.

CRUELLA: DIME CÓMO VISTES Y TE DIRÉ CUÁN MALVADO ERES

Cuero, bastones, encajes, y accesorios punk, son algunos de los signos que aparecen en la transformación oscura de nuestra joven amante de la moda.

Cruella es una historia que impacta visualmente toda su duración. El ritmo de la película es tan preciso como las puntadas de un vestido, lo que hace que para disfrutarla haya que verla una sola pieza. Si sacamos nuestra mirada filosa, como la navaja con la que la Baronesa emprolija los maniquíes, fallas vamos a encontrar. Efectos de CGI, que no aportan más que inverosimilitud, figuras claves como el trío de dálmatas puestos más que en un segundo plano, entre otros.

Sin embargo, Cruella funciona en buena parte porque no cae en forzar temáticas actuales en historias que no la necesitan. Resulta placentero ver la naturalidad con la que Emma Stone se apodera del personaje, pisando firme y con un tono justo entre desprecio y goce a la hora de referirse a sus enemigos, sin dar explicaciones o teniendo que verse involucrada en relaciones románticas.

En ese cambio de identidad, hay una sed de poder, una necesidad de hacerse oír, sin sombreros que oculten aquello que nos hace diferentes. La oscuridad siempre estuvo presente en Estella, y una vez que Cruella toma el poder, no hay vuelta atrás.

La película no logra de terminar de construir a la villana de forma completa. Construye a Cruella, no a Cruella de Vil. Aquella capaz de asesinar dálmatas para lucir un tapado de piel. La cinta tan solo la esbosa sútilmente en la escena poscréditos.

Como cantaba Emma Stone en La La Land (2016) unos años atrás, “la locura es la clave” (“A bit of madness is key“), y  Cruella tan solo muestra los inicios de ella.

Cruella

REVIEW – ELIZABETHTOWN: BÁSICOS, COLOR, ROADTRIP Y BUENA MÚSICA

REVIEW – ELIZABETHTOWN: BÁSICOS, COLOR, ROADTRIP Y BUENA MÚSICA

Elizabethtown (2005) es la típica comedia romántica en la que el chico lindo que tiene problemas se enamora de la chica linda. Pasó sin pena ni gloria por las carteleras pero tiene algunas cosas interesantes.

Orlando Bloom interpreta a Drew Baylor, en su primer papel importante fuera de las sagas El Señor de los Anillos (2001, 2002 y 2003) y Piratas del Caribe (2003, 2006 y 2007). Y lo único que podemos destacar de él en Elizabethtown es el mensaje que nos deja.

Un diseñador de zapatillas dedicado a su trabajo se da cuenta, con la muerte de su padre, que postergó momentos importantes de su vida, sin compartirlos con su familia. Ese es el mensaje, vale mucho para los tiempos que corren.

En su viaje a Elizabethtown, Kentucky, para buscar los restos de su padre, Drew conoce a Claire (Kirsten Dunst), una azafata con una visión de la vida muy particular. Y en ella y su styling nos vamos a enfocar. Lo interesante de todos sus looks es cómo con pocos elementos, básicos, accesorios y un poco de color, podemos hacer mucho.

LA CHICA DEL GORRO ROJO Y SU TRENCH CODE

El vestuario de Kirsten Dunst en Elizabethtown es una clase de cómo lograr un outfit destacado con solamente dos o tres ítems. Tenemos permiso para robarnos estas ideas.

Una vez que deja su uniforme de azafata, Claire tiene un look descontracturado en el que hay tres prendas que se destacan en toda la película: un trench coat, un bolso naranja y un gorro de lana rojo, que es EL accesorio protagonista.

El Trench es la prenda básica que todos, y no me refiero solamente a mujeres, deberíamos tener en nuestro guardarropa, y lo usamos no solamente en días de lluvia. ¡Va con todo! En este caso vemos cómo podemos acompañar un look muy formal y bajarlo un poco con un trench.

Claire acusa venir de una entrevista de trabajo luciendo un vestido azul muy ajustado, tacos rojos y nuestra prenda básica que acompaña y hace que el outfit sea un poco más apropiado para usar de día. El otro detalle es el bolso naranja que le da el toque urbano y de color.

ELIZABETHTOWN: Kirsten Dunst con un vestido azul muy formal.

ELIZABETHTOWN: Kirsten Dunst, el trench y un look más informal con el mismo vestido azul.

UN TOUCH DE COLOR, LA CLAVE PARA SER PROTAGONISTA

El bolso naranja es otro de los destacados en los outfits de Claire en Elizabethtown. Lo vimos anteriormente colgado al costado de ese vestido azul. Y con el trench.

En otro pasaje de la película, con ropa distinta pero en los mismos tonos, ese maxi bolso usado como bandolera también aporta un toque llamativo. Pollera floreada, remera básica blanca, cárdigan azul y le sumamos color y textura con el bolso cruzado.

ELIZABETHTOWN: El bolso naranja cruzado como bandolera, el toque de color para un look sencillo de Kirsten Dunst.

Sin embargo, el accesorio que se lleva todas las miradas en Elizabethtown es el gorro rojo de lana. Kirsten Dunst lo usa en un par de ocasiones y realmente es hipnótico. ¿Por qué?  Porque nada de lo que tiene puesto le saca el protagonismo.

Prendas básicas, colores neutros, alguna que otra estampa y nada más. El gorro rojo sobre esa cabellera rubia es todo lo que necesitamos. Y si no, veamos.

ELIZABETHTOWN: El gorro rojo es el gran protagonista del outfit de Kirsten Dunst.

ELIZABETHTOWN: Color + una prenda básica, infalible look de Kirsten Dunst.

Definitivamente son looks que cualquiera de nosotras podría usar, no necesitamos mucho y acá tenemos varias opciones para combinar un mismo accesorio. Este es un review distinto para saber que siempre hay cosas que se pueden rescatar de una película.

LO MEJOR DE ELIZABETHTOWN, ROADTRIP Y BUENA MÚSICA

Y para hablar de lo mejor que tiene Elizabethtown, hablaremos de música. Y de un maravilloso roadtrip por el centro de los Estados Unidos.

De principio a fin el soundtrack de la cinta no tiene desperdicio. La música original fue compuesta por Nancy Wilson. Y además hay una mezcla perfecta de clásicos en la que escuchamos a Tom Petty, Elton John, U2, Lindsey Buckingham, Ryan Adams, My Morning Jacket, entre otros.

No es, acaso, Learning to fly (Tom Petty and The Heartbrakers) una canción que escucharías en un roadtrip? Definitivamente.

Una de las cosas que Claire le dice a Drew en la película es que todos deberíamos hacer un roadtrip alguna vez en nuestra vida. Y tiene razón. Agarrar el auto, buena música y emprender el viaje.

Orlando Bloom se sumerge en un viaje de 42 horas que lo lleva desde Elizabethtown en Kentucky hasta Oregon. Con un mapa (Claire Style) que tiene varios puntos atractivos donde parar. Historia pura, pequeños monumentos, hermosos paisajes y una bifurcación que lo lleva a encontrarse con the girl in a red hat.