TROLL 2: LA MEJOR PEOR PELÍCULA DE LA HISTORIA

TROLL 2: LA MEJOR PEOR PELÍCULA DE LA HISTORIA

Una película puede tener diversos errores técnicos o defectos. Puede ser un guión incoherente donde lo que va sucediendo se contradice a sí mismo. Quizás un montaje inentendible, o que falle en la continuidad. O diálogos irreales, malas actuaciones, efectos especiales de baja calidad. En fin, las posibilidades son infinitas. Pero hay una película que se destaca por tenerlo todo. Y, sorprendentemente, cuenta con una legión de fanáticos que la defienden a capa y espada. Estamos hablando de la mítica Troll 2, del peculiar director italiano Claudio Fragasso. El documental Best Worst Movie cuenta de primera mano la historia de una transformación: de ser considerada la peor película de la historia pasó a convertirse en un clásico de culto.

LOS GOBLINS ATACAN

Empezar a contar de qué va Troll 2 resulta una tarea sumamente difícil. No porque el argumento sea complejo, sino que, en algún punto, es irrelevante. Resumiríamos diciendo que trata de una familia que se va de vacaciones a un pueblo rural, que resulta estar habitado por goblins camuflados como humanos, en busca de víctimas para alimentarse. Pero estaríamos dejando afuera tantas aristas, tantos conceptos, tantos detalles absolutamente mágicos, que no sería una descripción fiel. Por ejemplo, tenemos al abuelo Seth (Robert Ormsby) que, a pesar de estar muerto, se aparece como un fantasma para advertirle al pequeño Joshua Waits (Michael Stephenson) sobre los goblins y ayudarlo a salvar a su familia. Aunque no es exactamente un fantasma, porque va a accionar de distintas formas en el mundo de los vivos. Desde detener el tiempo hasta tirar una molotov, nunca se explica cómo lo hace.

Pero por suerte, no es lo único inexplicable. Tenemos también a la rimbombante bruja Creedence Leonore Gielgud (Deborah Reed). Ella es la reina de goblins y se comunica con una piedra mágica de Stonehenge que le da poderes. Su objetivo, se podría decir, es ayudar a estas criaturas a convertir a los humanos en plantas para comerlos. Esto, claro, porque, como todo el mundo sabe, los goblins son vegetarianos. Rebuscadísimo. Por cierto, estos monstruitos no son más que personas de baja estatura vestidas con bolsas de arpillera y máscaras de plástico berretas.

Y, como si fuera poco, en paralelo tenemos la historia de Elliott Cooper (Jason Wright), un adolescente que pretende conquistar a Holly (Connie Young), la hija de la familia. Esta subtrama es totalmente prescindible e intrascendente. Pero no podemos dejarla de lado porque aporta momentos de los más icónicos. Resulta que Elliot tiene que elegir entre vaguear con sus amigos o irse de vacaciones con la familia Waits. Como no puede decidir, va con sus secuaces en un motorhome al mismo pueblo, donde también se enfrentarán a los goblins. Éstos jóvenes nos aportarán joyas como la conversión de uno de ellos en árbol o la imperdible escena de sexo con pochoclos. Y cortamos acá, pero podríamos estar horas relatando todas las incoherencias e inconsistencias de un guión tan absurdo como es el de Troll 2.

TROLL 2

TROLL 2

LA MEJOR PEOR PELÍCULA

Michael Stephenson, el actor que hizo de Joshua, es el mismísimo director del documental Best Worst Movie. Gracias a ese trabajo, que por cierto está bastante bien logrado, podemos conocer un poco más sobre la historia de Troll 2, desde detalles de la filmación hasta la explosiva repercusión que tuvo años después. Y, realmente, no tiene desperdicio. Con testimonios de casi todo el reparto principal y del director, transitamos por un mundo que parece increíble. Los fanáticos se reúnen a ver la película una y otra vez, se disfrazan y actúan las escenas, repiten los diálogos de memoria. Los actores son estrellas que firman autógrafos, se venden remeras con sus caras y todo tipo de merchandising. Un tipo creó un videojuego; un soldado llevó la película a la guerra de Irak. Y mucho, mucho más.

NUEVO ORDEN, LA DISTOPÍA SOCIAL

Troll 2 se filmó en un rodaje sumamente rápido: fueron tres semanas en un pueblito de Utha, en el verano de 1989. Solo lleva ese nombre para engañar al público haciéndole creer que es una secuela, pero no tiene ninguna relación con Troll, de 1986. La encargada del guión, como en tantas otras películas de Fragasso, fue su propia esposa Rossella Drudi. Según sus palabras, muchos de sus amigos por aquella época se estaban convirtiendo al vegetarianismo y ella estaba enojada con la situación. Entonces decidió crear a estos monstruos como una suerte de vampiros vegetarianos.

Fragasso estaba en Italia cuando se estrenó Troll 2 en EEUU. La crítica, por supuesto, fue espantosa, pero a Claudio no le importó. “Yo no hago películas para que los críticos me alaben. Yo solo quiero filmar. Cuanto más, mejor”. Para él, la película hablaba de cosas importantes: el comer, la vida y la muerte, una familia unida contra otros que la quieren destruir. Que la consideren la peor película, según sus palabras, es casi como que la consideren la mejor. Ha causado sensación.

BEST WORST MOVIE

BEST WORST MOVIE

LAS ESTRELLAS DE TROLL 2

La mayor parte del reparto estaba haciendo su debut en el mundo del cine. Quizás el caso más paradigmático sea el de George Hardy, quien es también uno de los protagonistas del documental. Él interpretaba a Michael Waits, el padre de familia y personaje central en la historia. Sin embargo, su verdadera profesión era la de dentista, y no volvería a actuar hasta pasados casi 20 años después de Troll 2. En todo ese tiempo se dedicó a establecer su propio consultorio, pero siempre tuvo el sueño de triunfar como actor. Lo que sucedió es que, al estrenarse la película, se dio cuenta de que era un desastre y se alejó de la actuación.

George no fue el único que se sintió decepcionado al ver la película. El propio Michael Stephenson la recibió en VHS como regalo de navidad y, al verla, se quería morir. Connie Young cuenta que, durante el rodaje, sabía que estaban haciendo una basura. Pero fue cuando vio los comentarios en IMDb que se sintió realmente mal. No solo criticaban la película, sino que la mataban a ella en su interpretación de Holly. Para seguir su carrera como actriz, decidió no incluir a Troll 2 en su currículum por vergüenza, y porque le quitaba posibilidades de conseguir papeles.

Por el contrario, la actriz Margo Prey que interpretaba a Diana, la madre de la familia, estaba sumamente feliz con el resultado de la película. Cuando la vio, pensó que era genial. “Simple, elegante y realista, trata de las personas y las experiencias que pasan”. Incluso la compara con Casablanca. Por lo que puede verse en Best Worst Movie, Margo no está del todo cuerda. Y sus comentarios sobre Troll 2 son la prueba irrefutable.

Todos los actores tuvieron problemas o dudas durante la filmación. Ninguno parecía comprender realmente de qué trataba la película. Pasaban horas leyendo el guión e intentando descifrar que significaba. La comunicación con Fragasso era complicada ya que no hablaba muy bien inglés. Don Packard, que ni siquiera es actor, caracterizaba a un humano-goblin encargado de un almacén y durante la filmación estaba bajo tratamiento psiquiátrico. No sabía lo que estaba haciendo, no entendía la película y no recuerda nada. Así y todo, no es de las peores interpretaciones.

TROLL 2

TROLL 2

EXPLOSIÓN Y FENÓMENO DE CULTO

Pasaron 17 años desde el estreno en 1990 de Troll 2, cuando un par de amigos tuvieron la idea de hacer una proyección. Ellos estaban fascinados con la película, la veían todo el tiempo. Decidieron publicar en MySpace el evento, a realizarse en Nueva York. La reacción fue inmediata, las entradas se vendieron solas. Gente de todas partes de los Estados Unidos se acercó, la sala se colmó y asistieron varios de los actores del reparto. Fue una locura, pero solo la primera de varias. El fenómeno se replicó en San Francisco, Boston, Chicago y muchas otras ciudades. Incluso hicieron un evento especial en el pueblo donde fue filmada, que convocó a miles de seguidores. El más entusiasmado del reparto siempre fue Hardy, que estaba encantado con la fama repentina. Iba a cuanta proyección o convención lo invitaban.

Cada vez que Fragasso asistía a algún evento, se terminaba peleando, medio en broma medio en serio, con los actores. Es que el director defendía a muerte la película, mientras que los actores se burlaban y se reían de lo mala que era. Fragasso aseguraba que ellos no entendían, no sabían nada de cine. De hecho, se sorprendió al ver que, a pesar de ser una película de terror, la gente se reía en las partes cómicas, pero también en las que no lo son. Igualmente, resaltaba que la película había sido rescatada por el público. Y eso es indiscutible. Ni la industria ni la crítica la valoraron, solo los fanáticos lograron hacerla vivir, y eso tiene que tener algún valor.

Esa valoración existe, aunque sus motivos no sean claros. De tan mala, se volvió buena. La gente no puede creer que algo así sea real, que haya salido a la luz. Porque es una película honesta, comprometida. No está hecha así nomás, ni como parodia ni con ánimo de hacer cine basura. Hay esfuerzo, hay empeño, y hay un resultado desastroso. Fue un fiasco en un principio, pero años después obtuvo su recompensa. Un fracaso exitoso. En una proyección, una persona del público le preguntó a Fragasso por qué la película se llamaba Troll 2, siendo que en ella no aparecen trolls, ni siquiera se los nombra. La respuesta fue: “Vos no entendiste nada”.

FRIENDS: DRESS (AND HAIR) LIKE RACHEL

FRIENDS: DRESS (AND HAIR) LIKE RACHEL

Si pensamos en hacer un review de Friends (1994) podemos hacerlo desde distintos puntos de vista y como fanática de la serie (y de la moda) no puedo dejar de pensar en los looks de Rachel. No necesariamente enfocado en su manera de vestir, siempre a la vanguardia, sino en los distintos cortes con los que impactó en su pelo.

Reconocido por los autores y aprovechando el éxito de los seis amigos en NY en los 90’s, la serie se tornó un poco en All about Rachel´s Hair, incluso con algunas cláusulas contractuales. ¿Sabían que el corte que lució en la primera temporada fue conocido como “The Rachel”? ¿Y que tuvo tanto éxito que las mujeres de todo el mundo intentaron copiarlo? Todas querían el look de la protagonista de Friends. Incluso, otras actrices trataron de imitarlo sin la misma suerte. 

A mitad de la primera temporada el estilista de Jennifer Aniston, Chris McMillan, sugirió un cambio y lograron ese corte que será recordado como el clásico Rachel. Castaño, por encima de los hombros, muchas capas y volumen y con algunas mechas rubias, the job was done.

Friends – The Rachel (Temporadas 1 y 2)

Años después de terminada la serie, Aniston confesó que odió ese corte de pelo porque le implicaba mucho mantenimiento y reconoció no ser habilidosa para llevarlo igual que su personaje en Friends.

Lo cierto es que en cada temporada Rachel Green sorprendió con cambios, algunos tan drásticos como icónicos para su personaje. Y vale la pena repasarlos.

En la tercera temporada comenzó a despegarse de esa imagen que la hizo tan famosa. Continuó con las capas aunque un poco más largas y fue jugando con el color. ¿Recuerdan la escena de The Breakup?

Friends – Rachel en la Temporada 3

Con una melena más larga y más rubia la vimos en las temporadas 4 y 5. Siempre con capas pero con el lacio casi perfecto y algunas mechitas más claras. Lució un pelo sano y brilloso, en varios capítulos usó clips escondidos que también fueron marca registrada. Todas probamos ponernos los clips de esa forma, ¿no?

Friends – Rachel en la Temporada 4

Friends – Rachel en la Temporada 5

La temporada 6 nos mostró una Rachel un poco más desalineada, por momentos, en cuanto a su cabellera. A veces lacio, a veces con un estilo más boho chick, pero muy largo. Extremadamente largo y shockeante, de a ratos nos costaba ver las facciones de Jennifer Aniston con tanto pelo alrededor. Todas las miradas apuntaban ahí. ¿Qué es lo que más les llama la atención cuando la ven, en este caso, con Bruce Willis? Objetivo logrado.

Friends – Rachel en la Temporada 6

¿Qué podíamos esperar en Season 7? No sabíamos. Y… ¿qué vimos? Un dramático paso al corte bob (carré), tan perfecto como efectivo. No hay mucho para agregar.

Friends – Rachel en la Temporada 7

La temporada 8 marca a Rachel con el embarazo (¡los condones no son 100% efectivos!) y hay un cambio de look que empieza a acompañar ese proceso de maternidad. Mantuvo el color y las mechas más claras pero abandonó el lacio perfecto y se mostró más natural, con una melena ondulada y descontracturada. Como en este desopilante capítulo del día de Acción de Gracias (BTW: El de Brad Pitt es el mejor cameo de la historia de la TV).

Friends – Rachel en la Temporada 8

Ya llegando al final de la serie y con Rachel siendo madre de Emma, vemos una continuidad en sus looks, con el pelo un poco más largo, si, pero variando entre el clásico lacio y las ondas casi desprolijas. Un poco más oscuro, quizás, pero definitivamente distinto a lo que vimos en los primeros años de la sitcom.

Friends Rachel en la Temporada 9

Para cerrar este repaso no podíamos no quedarnos con el look del episodio final. En la temporada 10 la vimos sin el clásico corte de raya al medio y experimentando con un flequillo hacia el costado, y con un color un poco más oscuro de lo habitual.

Friends – Rachel en la Temporada 10

Mientras esperamos la tan ansiosa “Friends reunion” para este año en HBO Max, y como todo vuelve en la vida (y en la moda) ¿a qué no saben qué corte de pelo se está volviendo a usar?

THE FALCON AND THE WINTER SOLDIER – TODO LO QUE TENÉS QUE SABER ANTES DEL ESTRENO
LUZ, CÁMARA…¿INCLUSIÓN?

LUZ, CÁMARA…¿INCLUSIÓN?

La representación de la mujer en la ficción ha sufrido muchas variaciones en los últimos años. De abusar de estereotipos dañinos se pasó a intentos, a veces exagerados, de reflejar el empoderamiento femenino. ¿Qué pasa cuando la inclusión es solo un disfraz?

El feminismo está logrando instalarse fuertemente en la agenda pública, a través de la inserción de nuevos tópicos y cuestionamientos en la sociedad. La industria cultural masiva -con mayor o menor reticencia- se hace eco de esta situación. Esto puede estar guiado por un interés genuino en la causa o para no “quedarse afuera” de las discusiones que involucran al público (que es, en definitiva, quien le genera ganancias). 

FAN SERVICE

Las compañías cinematográficas están atentas a “lo que la gente pide”. El fenómeno del “fan service” -es decir, mostrarle al público lo que quiere ver- ya es algo habitual en el mundo audiovisual. Así, los fanáticos influyen en las decisiones de guionistas y escritores hasta el punto de modificar finales o revivir a determinados personajes. 

Atentos a este fan service, las mentes detrás de las películas pueden optar por forzar escenas o situaciones para “cumplir con la cuota” de inclusión. Un ejemplo claro de esto lo tiene el universo de Marvel en la última entrega de Avengers: Endgame. En esta película, una escena muestra a todas las heroínas formando un “escudo humano” para que Capitana Marvel pudiera transitar por el campo de batalla. Este momento fue muy cuestionado por los fans del MCU y fue calificado de “forzado” ya que muchos de los personajes no habían interactuado nunca entre sí.

Tras la máscara de inclusión se esconde una realidad diferente: la falta de representación femenina sigue siendo moneda corriente en el cine. Hace unos años, un estudio develó que, de las 100 películas más taquilleras de Estados Unidos, solo el 24% de los protagonistas fueron mujeres. Dentro de este porcentaje, solo el 32% pertenecía a minorías étnicas. Asimismo, en el mismo listado, nos encontramos con que las mujeres solo ocuparon el 16% de los puestos de trabajo (directores, escritores, productores, productores ejecutivos, editores y directores de fotografía).

Si bien esas cifras han mejorado en los últimos dos años, lo cierto es que todavía falta para hablar de una verdadera inclusión en el cine. Sin ir más lejos, la diferencia de edad entre los roles masculinos y femeninos da cuenta de la desigualdad. Durante la última década, solo un 25% de los personajes fue interpretado por actrices mayores de 40 años. En un análisis con películas de 2019, sólo el 16% de los personajes femeninos tenían entre 40 y 50 años, en comparación con el 26% de actores de esa edad.

¿CÓMO SE MIDE LA INCLUSIÓN EN LA GRAN PANTALLA?

En la década del 80, la artista Alison Bechdel propuso una prueba para comprender si las obras cinematográficas eran machistas. El “test de Bechdel” consiste en analizar si una película cumple con tres requisitos: tener dos personajes femeninos con nombre; que estos hablen entre sí; y que el tema de conversación no sean los hombres. Esta visión con perspectiva de género resultó revolucionaria en su momento y aún hoy se utiliza como parámetro en muchas críticas de cine. 

Sin embargo, como ciertas películas son consideradas machistas pese a cumplir con estos requisitos, se han añadido algunas variantes para ampliar su alcance. Kimberley Peircel, directora de “Boys don’t cry”, considera que tiene que haber un personaje femenino (protagonista o antagonista) con su propia historia, que persiga sus propios deseos y necesidades. Otro análisis, propuesto por las periodistas Dottle y Koeze, hace énfasis en los personajes secundarios. De acuerdo a este, al menos la mitad de los personajes secundarios deben ser mujeres. De esa forma se refleja la realidad  ya que más de la mitad de la población mundial es femenina.

La actriz y directora Rory Uphold propuso posicionar la mirada detrás de las cámaras y analizar si el film en cuestión cuenta con el 50% de trabajadoras mujeres. Esto actualmente es una utopía dado que prácticamente ninguna película lo cumple.  Este requisito fue modificado por la productora y directora Kate Rees Davies, que sostuvo que las películas deberían tener un mínimo de una o dos mujeres en cada departamento.

¿CÓMO HACER FRENTE A ESTO?

Más allá de estos análisis, es evidente que todavía falta, en términos de representación, para lograr la equidad en la gran pantalla. Como consumidores, debemos seguir pidiendo mayor representación en la ficción, mantener nuestra mirada crítica y exigir productos que estén a la altura de las circunstancias.

THE FALCON AND THE WINTER SOLDIER – TODO LO QUE TENÉS QUE SABER ANTES DEL ESTRENO

THE FALCON AND THE WINTER SOLDIER – TODO LO QUE TENÉS QUE SABER ANTES DEL ESTRENO

Nos encontramos a pocos días del final de Wandavision, una serie que sorprendió tanto como gustó a la gran mayoría de los espectadores. Ahora, todas las expectativas están puestas en The Falcon & The Winter Soldier, la segunda serie realizada por Marvel para Disney +.

Luego del retiro de Steve Rogers, Sam Wilson y Bucky Barnes recorrerán su propio camino para dilucidar quién de los dos será el nuevo portador del escudo.

De acuerdo a lo prometido por los protagonistas, recién al final, la serie presentará al verdadero sucesor del Capitán América. Mientras tanto, lo más importante será, al igual que con Wandavision, disfrutar del camino.

A continuación te contamos algunos detalles que tenés que conocer antes del inicio de The Falcon & The Winter Soldier:

¿CUÁNTO DURÁN LOS EPISODIOS DE THE FALCON AND THE WINTER SOLDIER?

The Falcon and The Winter Soldier cuenta con 6 episodios a estrenarse el viernes 19 de marzo por Disney +.

Si bien la duración de cada episodio aún no ha sido confirmada, desde Marvel afirman que cuenta con una duración total de 8 horas. Es probable que la distribución de tiempo entre los seis episodios no se conozca hasta el día de su estreno.

Por otra parte, vale la pena tener presente que la duración de los episodios incluye las largas secuencias de títulos y créditos.

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¿CUÁLES SON LOS ACTORES QUE REGRESAN A MARVEL EN THE FALCON AND THE WINTER SOLDIER?

The Falcon & The Winter Soldier está protagonizada por Anthonie Mackie (Falcon/Sam Wilson) y Sebastian Stan (The Winter Soldier/Bucky Barnes), dos actores que, al igual que sus personajes, hicieron su debut como compañeros del Capitán América.

ANTHONIE MACKIE – SAM WILSON (Falcon)

Antes de su debut en Marvel, Anthonie Mackie participó Millon Dollar Baby (2004), The Night Before (2015) y Abraham Lincoln: Vampire Hunter (2012).

En Marvel debutó en Capitán América: The Winter Soldier (2014) y repitió su papel en Avengers: Age of Ultron, Ant-Man, Capitán América: Civil War (2016), Avengers: Infinity War (2018) y Avengers: Endgame (2019).

En paralelo, participó en Black Mirror (2019), Altered Carbon (2020) y en la película de Netflix, Outside the Wire (2021).

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SEBASTIAN STAN (BUCKY BARNES/THE WINTER SOLDIER)

Sebastian Stan participó en series como Kings (2009), Gossip Girl (2007-2010) y en la película Black Swan (2010).

Debutó en Marvel en Capitán América: The First Avenger (2011) y repitió su papel como Bucky Barnes en Capitán América: The Winter Soldier (2014), Capitán América: Civil War (2016), Black Panther (2018), Avengers: Infinity War (2018) y Avengers: Endgame (2019).

En paralelo, interpretó al Sombrerero Loco en Once Upon A Time (2012-2013) y participó en The Martian (2015), I Tonya (2017) y recientemente fue muy elogiado por su trabajo en The Devil All The Time (2020).

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DANIEL BRÜL – HELMUT ZEMO

Uno de los villanos de la serie que ya fue presentado en el Universo Cinematográfico de Marvel es Barón Zemo, interpretado por Daniel Brühl.

Sus primeros trabajos fueron para el cine y la televisión de Alemania.

Protagonizó Good Bye Lenin! (2003) y participó en Two Days in Paris (2007), The Bourne Ultimatum (2007) e Inglorious Bastards (2009).

Tuvo su debut como gran antagonista de Marvel en Capitán América: Civil War (2016). Aunque su personaje estuvo muy lejos de lo esperado por los lectores de los cómics, resultó fundamental para los acontecimientos que continuaron en el Universo Cinematográfico de Marvel.

Últimamente lo vimos en The Cloverfield Paradox (2018) y The Alienist: Angel of Darkness (2018-2020).

Su regreso como Barón Zemo con su habitual vestimenta de los cómics entusiasma a los lectores.

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EMILY VAN CAMP – SHARON CARTER (AGENT 13)

Emily Van Camp interpretó a Sharon Carter (Agente 13) en las tres películas del Capitán América (The First Avengers, The Winter Soldier y Civil War).

Antes de debutar en Marvel, Van Camp participó en la miniserie Dice (2001), Glory Days (2002), Everywood (2002-2006), Brothers & Sisters (2007-2010) y la película para TV, Beyond The Blackboard (2011).

Luego de su debut en Marvel protagonizó las películas Pays (2016), The Girl in The Book (2015), la serie Revenge (2011-2015) y en la actualidad se la puede ver en The Resident.

GEORGES ST-PIERRE – BATROC THE LEAPER

St-Pierre es un luchador de artes marciales mixtas que tuvo su debut en Capitán América: The Winter Soldier. Debido a su pequeña participación en esa serie, su regreso para el nuevo show es una sorpresa para la mayoría de los fans.

¿QUIENES SON LOS NUEVOS ACTORES QUE SE UNEN A MARVEL?

The Falcon and The Winter Soldier introduce nuevos actores al Universo Cinematográfico de Marvel. Estos son los más relevantes.

WYATT RUSSELL – JOHN WALKER (US AGENT)

Para Wyatt Russell, The Falcon and The Winter Soldier marca su debut como actor en el Universo Cinematográfico de Marvel. Lo mismo sucede con John Walker (US Agent), su personaje.

Russell paricipó en 22 Jump Street (2014), Cold July (2014), Everybody Wants Some (2016) y Overlord (2018). También protagonizó The Oath (2013), uno de los tantos webisodios de The Walking Dead.

Recientemente protagonizó Lodge 49 (2018-2019) y tuvo un papel en la miniserie The Good Lord Bird (2020).

Otros actores confirmados para The Falcon and The Winter Soldier son Adepero Oduye (Sarah Wilson), Neal Kodinsky (Rudy) Amy Aquino (Terapista), Veronica Falcón (Mama Donnya) y Erin Kellyman (papel desconocido).

¿CUÁLES SON LOS NUEVOS PERSONAJES QUE VEREMOS EN THE FALCON AND THE WINTER SOLDIER?

The Falcon and The Winter Soldier presenta a dos nuevos personajes que cuentan con un amplio historial en los cómics de Marvel.

US AGENT (JOHN WALKER)

Jhon Walker vistió el traje de Capitán América cuando Steve Rogers fue condicionado a cumplir las órdenes del gobierno o renunciar.

Previamente, Walker utilizó la identidad de Superpatriota para posicionarse en los medios como un nuevo superhéroe cuya principal característica es poseer un excesivo patriotismo y una violencia extrema.

Ni Walker ni US Agent aparecieron en el MCU por lo que se desconoce cuál será su origen.

FLAG SMASHER

En los cómics de Marvel, Flag Smasher (Sin Banderas) es un terrorista que pretende liberar al mundo del concepto de país y nacionalismo debido a que los considera como el principal inconveniente para alcanzar la paz entre naciones.

Nada se sabe sobre Flag Smasher en The Falcon and The Winter Soldier. Sin embargo, en el trailer de la serie puede verse su distintivo en la máscara que porta la actriz Erin Kellyman.

¿QUIÉN ES EL SHOWRUNNER DE LA SERIE?

Malcolm Spellman es el showrunner de la serie y el nombre que lidera a los guionistas.

Es su primera participación como creador de una serie pero estuvo involucrado en Empire (2015-2017) y Truth Be Told (2019-2020).

¿QUIÉN ES LA DIRECTORA DE FALCON AND THE WINTER SOLDIER?

The Falcon and The Winter Soldier está dirigida por Kari Skogland quien cuenta con un extenso historial en televisión.

Ha dirigido episodios de The Borgias (2012-2013), The Killing (2013), Under The Dome (2013), Vikings (2014), The Walking Dead (2016-2017), Fear The Walking Dead (2015), The Punisher (2017) y The Handmaid´s Tale (2017-2018).

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25 AÑOS DE TRAINSPOTTING: DROGAS Y ROCK AND ROLL

25 AÑOS DE TRAINSPOTTING: DROGAS Y ROCK AND ROLL

Hace 25 años se estrenaba una de las películas más significativas para toda una generación. Considerada entre las mejores películas inglesas, Trainspotting modificó la forma de tratar ciertas temáticas en el cine. Drogas, violencia, delitos y el desencanto de una parte de la juventud con la sociedad burguesa son retratados sin moralina, sin juzgamientos y desde una óptica vertiginosa que combina drama intenso con momentos absolutamente cómicos. Indagamos un poco para ver qué hace de esta cinta una de las más influyente y representativo del espíritu inglés de los 90.

LA SUSTANCIA

Trainspotting está basada en la novela homónima del escritor Irvine Welsh. Ya desde su publicación en 1993, había generado algunas controversias por la crudeza y la forma en que narra ciertos temas. Poco les importó al director Dany Boyle (Slumdog Millionaire) y al productor Andrew Macdonald, que convencieron al autor de que podían llevar a la pantalla su obra. Por supuesto, la película no iba a estar exenta de problemas. Por ejemplo, para el estreno en EEUU tuvieron que recortar algunos fragmentos, como un desnudo frontal o el mítico primer plano de la aguja insertándose en el brazo, para evitar una clasificación restrictiva. Pero la principal polémica se instaló con el argumento de que incitaba a los jóvenes a consumir drogas. Obviamente, estas críticas venían desde la parte más conservadora de la sociedad, que no veían con buenos ojos que un grupo de drogadictos protagonizaran una película cool y atractiva.

Lo cierto es que, si bien el ritmo vertiginoso y las múltiples situaciones cómicas le dan mucha vitalidad a la película, esta no deja de tener momentos puramente dramáticos. Y las mayores tragedias ocurren por culpa del uso de sustancias como la heroína. Por eso, no suena muy convincente el argumento de la apología. Pero sí es destacable esa combinación de atmósferas que confunden el drama y la comedia. Puede verse ahí una influencia de películas como Pulp Fiction de Tarantino, aunque no es la única. Hay varias referencias directas, como la ambientación del boliche que remite al bar de La Naranja Mecánica de Stanley Kubrick, o la cabeza que gira al estilo de El Exorcista de William Friedkin.

LOS NERDS AL PODER

Si la comparamos con, por poner un ejemplo cercano, Requiem for a dream del año 2000, podemos ver una clara diferencia. En esta última también se toca el tema de la adicción a las drogas, pero se hace desde una perspectiva mucho más oscura. No hay lugar para el humor. Sin embargo, en Trainspotting pasan cosas igual o incluso más trágicas que la película de Darren Aronofsky, pero el tono es completamente distinto.

TRAINSPOTTING

TRAINSPOTTING

TRAINSPOTTING: LOS YONKIS DE EDINBURGO

El propio Ewan McGregor (Big Fish) cuenta que, ni bien recibió el guión, supo que quería ese papel. Boyle se lo había dado solo para que lo viera, pero cuando se reunieron, el actor ya había bajado 7 kilos, se había rapado y tenía estudiado el tema de las drogas. Según él, “era uno de esos papeles que se cruzan en tu camino una vez en la vida”. Y razones no le faltaban: el personaje de Renton es sumamente interesante. Conflictivo y defectuoso, aunque consciente de sus propios defectos, reflexiona críticamente sobre la vida burguesa, a la que no le encuentra sentido. Reconoce sus errores, pero a la vez no tiene muchas intenciones de cambiar. Y, a partir de la influencia de sus amigos, se sumerge en la autodestrucción. Esta complejidad lo convierte en un personaje multidimensional: no se puede resumir en un único atributo o arquetipo.

Por supuesto, va a estar muy bien acompañado por el resto de la banda. Sick Boy (Jonny Lee Miller) es el más drogado del grupo, egoísta y mentiroso, con una fascinación por las películas de James Bond. Después está Begbie (Robert Carlyle), el más violento y psicótico, con actitud de líder de una pandilla de mafiosos. Spud (Ewen Bremmer) es tan torpe que se mete en las situaciones más bizarras, pero también es el más sensible. Tommy (Kevin McKidd) parece ser el más rescatado y sano, hasta que deja de serlo. Y por último Diane (Kelly MacDonald), una adolescente de 15 años que empieza una relación con Renton a partir del encuentro en un boliche. Todos están muy bien, todos aportan algún matiz propio y resultan influyentes para la trama.

 

“¿QUIÉN NECESITA RAZONES CUANDO TIENES HEROÍNA?”

Lo que hace que una película se convierta en un clásico del cine suele ser un misterio. Pueden ser múltiples las causas. Pero sin dudas, uno de ellas es la cantidad de momentos o escenas puntuales que quedan grabadas para siempre en la memoria. Y en Trainspotting hay varios. Con esto no queremos decir que simplemente eso la ubique a la altura de los grandes clásicos, aunque méritos no le faltan.

Desde la escena inicial con el monólogo de Renton, la corrida por las calles de Edimburgo y la genial Lust for Life de Iggy Pop de fondo, nos arrastra un torbellino que no nos suelta más. Esa corriente nos va a llevar desde el consumo desenfrenado hasta el síndrome de abstinencia. Y en el medio, de todo: robos, violencia, muerte y excesos de todo tipo. La genialidad del asunto es que, dentro de ese viaje a todo trapo, vamos a pasar por todos los estados posibles. Euforia, risas, llanto, desesperación, rabia, decepción, angustia.

No solo las emociones que nos provoca son de una amplitud atípica. Trainspotting logra combinar, en su puesta en escena, dos abordajes completamente opuestos. Por un lado el realismo más duro, más sucio. Un realismo grunge. El ambiente, los vestuarios, los diálogos, las agujas entrando en la piel, todo está representado con una crudeza extrema. Y, por otro lado, las alucinaciones psicodélicas de la heroína retratadas como una fantasía surrealista. La escena de la sobredosis acompañada magistralmente por Perfect Day de Lou Reed, o la inmersión en “el peor inodoro de Escocia”, o los delirios de la abstinencia son absolutamente fantásticos. Los dos lenguajes se yuxtaponen y se complementan mutuamente de una manera tan magistral, que servirá de influencia para el cine futuro.

TRAINSPOTTING

TRAINSPOTTING

EL LEGADO DE TRAINSPOTTING

Estrenada en 1996, Trainspotting se transformó en uno de los largometrajes inglesas más influyentes. Películas como Snach y Lock, Stock and Two Smoking Barrels de Guy Ritchie, o This Is England de Shane Meadow tal vez nunca hubiesen existido. En 2017 se estrenó la secuela T2 Trainspotting, basada en la novela Porno también escrita por Welsh. Con solo mencionar que reunió a todo el elenco original, director y guionista, ya merece la pena verla. Si bien no es tan impactante como la primera, pero deja algunos momentos muy buenos, incluso una de esas escenas que te hacen reír a carcajadas en la butaca del cine.

Hay que mencionar inevitablemente la banda de sonido de Trainspotting. Acoplada perfectamente a la estética de la película, incluye clásicos del pop y del rock, como también temas más alternativos e incluso de música electrónica. Además de las mencionadas de Iggy Pop y Lou Reed, contiene canciones de grupos de la escena británica como Blur, Pulp, Primal Scream y New Order. Sin dudas, se trata de una de los mejores soundtracks de la historia del cine, al menos de los últimos tiempos.

Trainspotting fue un estallido de realidad, tanto por su estética como por el contenido. Generó controversia, tuvo detractores y pasó a ser una película de culto ineludible para los cinéfilos. Ganó algunos premios, sobre todo en el Reino Unido, y hoy es considerada un hito que marcó el cine de fin de siglo. Disponible en Amazon Prime, después de 25 años sigue siendo actual, fresca y avasallante para cualquiera. Un sacudón que te deja dando vueltas como un trompo.

FEAR THE WALKING DEAD – LA SERIE QUE VOLVIÓ DE LA MUERTE

FEAR THE WALKING DEAD – LA SERIE QUE VOLVIÓ DE LA MUERTE

Fear The Walking Dead tuvo la difícil misión de continuar con el legado de la serie principal cuando Rick Grimes y los suyos, atravesaban por uno de sus momentos de mayor popularidad.

El primer spin off de esta gran serie de zombies tenía la premisa de presentar los inicios del apocalipsis que no habían sido explorados en The Walking Dead.

Ambientada en los suburbios de Los Ángeles, durante las dos primeras temporadas de esta serie la narrativa se basó en la compleja dinámica de una familia ensamblada que intentaba sobrevivir y mantenerse unida en medio del apocalipsis zombie.

FEAR THE WALKING DEAD: UN DRAMA FAMILIAR

Sus integrantes eran Travis Manawa (Cliff Curtis), Madison Clark (Kim Dickens) y sus hijos Nick y Alicia ( (Frank Dillane y Alycia Debnam-Carey). De estos cuatro personajes, sólo uno continúa en la serie actualmente pero de eso hablaremos más adelante.

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Quienes también continúan en la temporada actual de Fear The Walking Dead son Victor Strand (Colman Domingo) y el favorito del público Daniel Salazar (Rubén Blades), dos interesantes personajes secundarios que lograron conquistar a los espectadores.

La temporada comienza con acción y suspenso cuando la sociedad estalla en una lucha de supervivencia, mientras el ejército intenta contener la situación.

Sin embargo, todo resulta similar a sucesos que han sido explorados con mejores recursos en otro tipo de series y películas. Aunque su ejecución es correcta, Fear The Walking Dead no logra convencer a los fanáticos que palpitaron con entusiasmo su lanzamiento.

SEGUNDA TEMPORADA: TODO PUEDE EMPEORAR

Durante la segunda temporada la acción se traslada a México. Esta locación inexplorada en The Walking Dead podría haberle dado un gran abanico de tramas y argumentos a la serie. Sin embargo, a lo largo de sus quince episodios, no logra capitalizar el atractivo que este nuevo enfoque le hubiera permitido.

Con un presupuesto considerablemente menor al de la serie principal, igualar a un show como The Walking Dead no es difícil. Es imposible.

Fear tenía el compromiso de replicar el éxito de su predecesora pero debía hacerlo con menos presupuesto, menos zombies y un reparto considerablemente inferior al original.

Con personajes que vienen y van, tramas que no se entienden y hordas que no asustan, la segunda temporada de Fear The Walking Dead perdió una gran cantidad de espectadores.

Sin embargo, aunque muchos especularon con una cancelación, Fear regresó para una tercera temporada.

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TEMPORADA 3: NO TODO ESTÁ PERDIDO

De regreso en Estados Unidos pero muy cerca de la frontera, nuevos y coloridos personajes ocuparon el rol de antagonistas.

Con marcadas personalidades, permitieron que las tramas ganen en dramatismo y que los protagonistas la pasen muy mal. Lejos de continuar el sendero dejado por The Walking Dead, Fear se dedicó a construir una mitología propia.

Si bien lo hizo con fallas y muchas inconsistencias, construyó su propia identidad consolidándose como favorita entre un grupo de espectadores que no se sentían identificados con los personajes de la serie principal.

A partir de su cuarta temporada, el programa dio un giro de 180° incorporando nuevos protagonistas y modificando de manera radical su estética.

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MISMA SERIE, NUEVOS PERSONAJES

Al igual que los personajes de un cómic, cada uno de los nuevos miembros de Fear TWD contaba con una marcada personalidad. Además, portaban armas distintivas y atuendos que los diferenciaban del resto.

Los ingresos tomaron la posta del protagonismo de la serie y bajo el liderazgo de dos personajes inesperados, se convirtieron en favoritos del público. Morgan Jones (Lennie James) cruzó la mitad de los Estados Unidos para llegar a Fear The Walking Dead.

Con su personaje perdido en una nebulosa narrativa en la serie principal, Morgan llegó al spin off para convertirse en el encargado de liderar a los nuevos miembros de la serie.

Por su parte, lejos habían quedado las adolescentes actitudes que el personaje de Alicia Clark tuvo durante las primeras temporadas.

ALICIA CLARK: LA FAVORITA DE FEAR THE WALKING DEAD

Valiéndose por sí misma y a costa de muchos errores y algunos aciertos, el personaje de Debnam-Carey evolucionó hasta convertirse en líder del grupo.

Adquiriendo impensadas habilidades y enfrentando a una gran cantidad de caminantes (al día de hoy, sus bajas podrían compararse con las de Rick Grimes), Alicia llegó a ser la gran favorita del público.

A pesar de los esfuerzos de los guionistas por imponer a Morgan como protagonista absoluto de Fear The Walking Dead, el fandom de la serie siente una especial fascinación por el personaje de Alicia Clark. Al día de hoy, ella es la que genera mayor conversación sobre la serie en las redes.

El ejemplo más grande del crecimiento de Alicia Clark como personaje favorito de Fear The Walking Dead sucedió durante el estreno de la sexta temporada.

Durante la emisión de The End of The Beginning, el primer episodio de la temporada 6, Alicia se convirtió en tendencia a pesar de que su personaje no tuvo ni siquiera un minuto de pantalla.

Así como The Walking Dead se identifica con una imagen de Rick Grimes con el brazo extendido y pistola en la mano. Fear TWD, lo hace con Alicia empuñando su arma.

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TEMPORADA 5: TODO MUCHO MEJOR

El cambio estético y argumental continuó durante la quinta temporada, centrándose en la historia de este nuevo grupo de personajes intentando intervenir en la vida de cualquier persona que necesitara ayuda.

Con la aparición de Virginia, la nueva villana interpretada por Colbey Minifie, el final de temporada cuenta con un cliffhanger a la altura de The Walking Dead.

La pandemia de Covid-19 sorprendió al reparto de Fear The Walking Dead en medio de las grabaciones y obligó a suspender los rodajes de manera imprevista. En consecuencia, durante 2020, solo se pudieron ver los primeros 7 episodios de la sexta temporada Fear TWD.

En ellos, la serie adopta un tono más oscuro con episodios individuales centrados en los diferentes personajes.

FEAR THE WALKING DEAD SE VUELVE OSCURA

El arco argumental más importante presenta a una nueva y mejorada versión de Morgan Jones.

Con episodios centrados en la nueva normalidad de cada personaje, Morgan atraviesa la temporada intentando volver a reunirse con ellos.

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A su vez, desde su quinta temporada, Fear The Walking Dead incorporó elementos que la relacionan de manera directa con tramas y personajes que forman parte de The Walking Dead y la nueva serie The Walking Dead World Beyond.

La República Cívica Militar, es un elemento fundamental del nuevo spin off de The Walking Dead y tendrá un importante protagonismo en la trilogía de películas de Rick Grimes.

Isabelle, personaje interpretado por Sidney Lemon, piloto de CRM, aparece y es mencionada en varios episodios de Fear The Walking Dead estableciendo la conexión de la serie con el resto del Universo.

EL FUTURO DE FEAR THE WALKING DEAD

Fear The Walking Dead estrena los nueve episodios restantes de su sexta temporada el 11 de abril de 2021 (una semana más tarde de la emisión de Here’s Negan, el final de temporada de The Walking Dead).

Por su parte, cuenta con una séptima temporada confirmada a estrenarse por AMC durante 2022, mismo año en el que The Walking Dead tendrá su final definitivo.

Es muy probable que una vez que TWD haya culminado, Fear continúe en pantalla debido a que la serie goza de buena salud y cuenta con una gran cantidad de seguidores.

De ser así, el primer spin off de The Walking Dead habrá ganado una batalla que parecía perdida.

THE STAND: UN APOCALIPSIS SIN ZOMBIES