OSCARS 2021: MEJOR PELÍCULA ANIMADA

OSCARS 2021: MEJOR PELÍCULA ANIMADA

El pasado 16 de Marzo se anunciaron las películas nominadas para la entrega de los Oscars 2021. Falta casi un mes para la repartija de estatuillas, pero en el ínterin vale la pena detenerse en algunos de los films destacados de cada categoría. En este caso les toca a los largometrajes animados que compiten por llevarse el premio dorado. Desde dramas musicales existencialistas a ovejitas que luchan contra organizaciones gubernamentales, hay de todo, pero solo una se llevará el reconocimiento como mejor película animada.

LAS CINCO NOMINADAS A MEJOR PELÍCULA ANIMADA

Soul encabeza la lista tanto en popularidad como en chances de cerrar una noche victoriosa. Esta producción de Pixar gira en torno a Joe Gardner, un profesor que sueña con ser músico profesional de jazz. Joe es invitado a tocar en la banda de la legendaria Dorothea Williams, pero el día de su gran oportunidad cae en una alcantarilla y muere. Soul transcurre entre el “más acá” (un estadio previo al “mas allá”) y la Tierra, esa contraposición también se apoya en el estilo de animación. Mientras que el mundo de las almas es abstracto en formas y colores, lo terrenal es más bien realista, plano, con el estilo típico (y ya algo cansador) de Pixar. En ese “más acá” Joe conoce a 22, un alma con dificultades para encontrar propósito e intereses y, por lo tanto, de poder nacer e ir a la Tierra.

Soul toca temas muy interesantes sobre cómo se conforma nuestra identidad, tiene momentos emotivos de esos que a Pixar le salen con los ojos cerrados. Todos los elementos están en línea pero el resultado es bastante opaco. Parece una película en piloto automático, intercambiable y que solo se la juega con los diseños de los personajes del “más acá”. El foto realismo en los paisajes de Pixar es impresionante, pero pierde ese encanto mágico de la animación. Irónicamente, en comparación a sus competidoras por el Oscar a mejor película animada, Soul tiene menos alma.

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

PIXAR, ENTRE EL REALISMO Y LA FANTASÍA

Onward es la otra obra de Pixar que compite por el premio. La película de Dan Scanlon se vio perjudicada por un lanzamiento que la dejó muy lejana en la memoria del público. Luego, el éxito de Soul opaco por completo esta aventura de dos hermanos elfos que buscan recuperar la magia y completar la memoria de su padre. Onward es que evita caer en el drama solemne y realista, Scanlon construyó una suerte de road trip plagado de seres fantásticos y elementos de juegos de rol. La relación entre los hermanos es bellísima y la idea de completar la memoria de alguien que falta a través de quienes sí están, es espectacular. De las producciones de Pixar, es la que menos chances tiene de quedarse con el premio a mejor película animada.

UN CLÁSICO DE ARCILLA EN MOVIMIENTO

El estudio Aardman se metió en la historia de la animación con Chicken Run (2000), Wallace y Gromit (2005) y la primera Shaun The Sheep (2015). Farmageddon es una secuela delirante que incluye alienígenas y organizaciones gubernamentales a lo E.T. (1982). El punto fuerte es la increíble claymation (animación con arcilla) que el estudio no solo popularizó sino que perfeccionó. El manejo de los personajes es espectacular, tienen unas texturas y colores diferentes a todas las nominadas. Otra particularidad es que no tiene diálogos, se vale de gags visuales y lo expresivo de sus personajes para narrar. Farmageddon tiene pocas chances de ser la mejor película animada, pero la nominación sirve para exponer este trabajo hermoso.

Fue sorpresiva la inclusión de Over the Moon de Glen Kleane. Se trata de una coproducción entre Netflix y Pearl Studios en la que trabajaron artistas chinos y norteamericanos. Es una aventura musical que sigue a Fei Fei, una chica que construye un cohete para buscar a una legendaria diosa de la Luna. Visualmente Over The Moon es una maravilla, la animación tiene una calidad y una calidez espectacular. Las expresiones de los personajes están muy bien logradas, en particular las del conejo Bungee, mascota de Fei Fei. Es bastante caótica y sufre un problema común en los musicales: no todas las canciones funcionan. De a momentos se interponen en el desarrollo de la trama y solo dilatan cuestiones que podrían resolverse rápido y con más gracia. Aun con sus defectos, toca fibras  respecto a la soledad y el duelo. Difícilmente se lleve el Oscar a mejor película animada.

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

CORRIENDO SALVAJES POR EL BOSQUE

Wolfwalkers completa la lista de cinco nominadas, el largometraje de Cartoon Saloon no solo es la mejor película animada del año, también es de las mejores películas en general. A partir de mitos irlandeses, el director Tomm Moore construyó una aventura que involucra licantropía y empoderamiento. La protagonista es Robyn, una joven disconforme con el lugar que la sociedad le impone, vive en un fuerte rodeado de un bosque frondoso, pero el acceso a ese mundo verde está limitado. Robyn se escapa desobedeciendo los consejos de su padre y en ese espacio prohibido conoce a Mebh, una joven wolfwalker, una persona mitad humana y mitad lobo.

La amistad que entablan está construida con una delicadeza poco frecuente, ambas se sienten alienadas de sus progenitores, aunque por motivos diferentes. Los colores y las perspectivas del mundo que habitan son diferentes al de las demás nominadas, no busca ser realista sino expresar las emociones de sus protagonistas. Wolfwalkers se inspira en pinturas medievales para crear paisajes en dos dimensiones, con colores vivos que escapan a las líneas que los delimitan. Es una obra cargada de aventura, amistad y folklore, sería una injusticia que no gane el Oscar a mejor película animada.

MEJOR PELÍCULA ANIMADA

EL PRESENTE DE LA ANIMACIÓN

Pese a la pandemia, el nivel del cine animado se mantuvo muy alto. Es una lástima que una película hermosa como Raya and the Last Dragon quedase fuera por cuestión de fechas de estreno. En menos de un mes sabremos cuál de estas cinco obras se lleva la estatuilla dorada a casa.

THE EMPTY MAN: MALDICIONES VACÍAS

THE EMPTY MAN: MALDICIONES VACÍAS

Desde su nombre, es tentador relacionar a The Empty Man con películas intrascendentes como Beware the Slenderman o The Bye Bye Man. Con una trama detectivesca y 137 minutos de duración, la ópera prima de David Prior propone algo radicalmente diferente, aunque no del todo efectivo. En esta adaptación de la novela gráfica de Cullen Bunn, hay una puja de géneros y tonos que termina arruinando los excelentes climas que logra la película. Dentro de The Empty Man coinciden notas de The Ring, Se7en, Noroi y True Detective, pero no es una convivencia armoniosa.

THE EMPTY MAN

THE EMPTY MAN, ENTRE LA MONTAÑA Y LA CIUDAD

El “hombre vacío” (The Empty Man) del titulo, es una entidad monstruosa que ataca al ser llamada. Los  componentes básicos de la maldición son bien tradicionales: la invocación requiere de un puente y una botella, luego de tres días de acoso, el espectro asesina a quien lo despertó. Se trata de lugares comunes en el horror, sobre todo en el cine japonés, una de las influencias más claras de Prior. Para explicar estas cuestiones sencillas el director optó por un prólogo de 22 minutos ambientando en las montañas del Sur de Asia. Si bien está perfectamente construido, a la larga, solo suma a la ya excesiva duración de la película.

De la nieve y las alturas pasamos a la ciudad de Missouri, donde conocemos a James Lasombra (James Badge Dale), un ex policía con un pasado traumático. La desaparición de una adolescente lleva a Lasombra a investigar la leyenda urbana del Empty Man y a una organización misteriosa que parece estar implicada. En este tramo de la historia es donde aflora el currículum del director. David Prior trabajó durante años dirigiendo los “detrás de escena” de las películas de David Fincher, desde Panic Room a The Girl With the Dragon Tattoo. La influencia de Fincher es notoria en la dirección, la estética y el montaje, incluso en la pesadumbre de los personajes.

THE EMPTY MAN

ENTRE EL TERROR Y EL POLICIAL

Hay muchas cosas positivas en The Empty Man. La puesta en escena es prolija y tiene momentos virtuosos en cuanto a encuadres y fotografía. La referencia estética de Se7en y Zodiac encaja a la perfección con los tramos de investigación y suspenso. James Lasombra no es un personaje interesante, está construido a partir de un trauma y un secreto, pero funciona bien dentro de los códigos del detective duro.

The Empty Man tiene varias cosas en común con The Ring y Noroi: The Curse, en particular como la puesta en escena va acompañando el descenso a la locura del protagonista a medida que desentraña el misterio. En uno de los mejores momentos de la película, Lasombra encuentra un campamento abandonado y es testigo de un ritual cuasi pagano. Sin revelar demasiados detalles, en esa escena están en perfecto equilibrio el suspenso detectivesco y terror surreal. Es una lástima que no se mantenga a lo largo de todo el film.

LA MALDICIÓN DEL EXCESO

Una cuestión recurrente en las óperas primas de ficción es el afán por meter todas las ideas posibles sin ningún tipo de filtro. David Prior incluye algunos detalles de montaje y manipulación de la imagen que no se ven bien. En las escenas de mayor intensidad se cortan fotogramas para sumar impacto, pero el efecto es artificioso. Sobresaltarse por cosas que pasan rápido es un reflejo natural, pero lo que sigue no es la catarsis que genera el terror, sino el tedio de un jumpscare mal usado. Hay un leitmotiv sobre objetos que giran, pero aparece de forma aleatoria y es abandonado al final. Si en una película algo se repite pero nunca se re significa ni se explaya, estamos en problemas.

Prior tampoco pudo construir un villano efectivo, hay una imprecisión bastante molesta respecto a reglas que rigen a The Empty Man. Esa vaguedad es un gesto Lovecraftiano, en sus cuentos, H.P. Lovecraft evitaba describir el mal ya que escapaba al entendimiento humano. En el papel funciona, pero el monstruo de Prior se materializa cual dementor con un CGI bastante irregular. Hacia el final se esboza una explicación metafísica incomprensible tanto para el protagonista como para el espectador. Si bien hay una vena surrealista que tiñe todo el viaje de Lasombra, esa conclusión tan extraña resulta tramposa.

THE EMPTY MAN

UNA APUESTA FALLIDA

The Empty Man es un lanzamiento inusual para 20th Century Studios. No es común ver terror tan ambicioso y extravagante producido por estudios grandes. Lamentablemente la ópera prima de David Prior no logra cerrar sus ideas ni justificar su duración. Tiene muchos méritos, pero la suma de buenos momentos no da como resultado una buena película.

SAINT MAUD: TERROR ESPIRITUAL

SAINT MAUD: TERROR ESPIRITUAL

Saint Maud, el debut directorial de Rose Glass, fue una de las primeras víctimas cinematográficas del COVID19. Este híbrido entre drama y horror fue estrenado a finales de 2019 en el festival de Toronto. Su distribución fue adquirida por A24, pero el lanzamiento a gran escala se retraso a causa de la pandemia. Los premios y el boca en boca generaron muchas expectativas durante todo el 2020. Finalmente desde febrero, a más de un año de su premier en festivales, Saint Maud está disponible para todo el público. 

SAINT MAUD

SAINT MAUD Y EL TRAUMA DE LA FE

La película comienza con un diálogo entre Maud (Morfydd Clark) y Dios, ella pregunta por el propósito de su vida, aguarda por ese plan celestial que le dé sentido a su existencia. Maud es una joven enfermera que se convirtió al catolicismo recientemente y consigue trabajo cuidando a Amanda (Johanna Ehle), una bailarina moribunda. La joven se obsesiona con su paciente y entiende que salvar esa alma en pena es su destino en la tierra.

Saint Maud tiene muchísimas ideas desenvolviéndose al mismo tiempo. Por un lado hay una contraposición entre fe y psicosis. Maud es una chica solitaria que busca enterrar el trauma poniendo su vida al servicio de la religión. Su convencimiento llega al extremo de sentir a Dios de forma física en su cuerpo. El problema es que la película no logra sostener bien esa ambigüedad entre creencia y locura. Prácticamente desde el primer plano se nos revela la condición mental de Maud, y eso quita mucho suspenso al estudio de ese personaje.

NEWS OF THE WORLD: MIRANDO AL OESTE

Otro punto interesante es el de la enfermera y su rol en la vida de alguien moribundo. Saint Maud está plagada de simbología religiosa con respecto a esa cuestión, y en la interacción entre Maud y Amanda esta el corazón de la película. Es una lástima que ese ida y vuelta se deje de lado para quedarnos solo con la joven y su descenso (o ascenso) espiritual. Hay una meseta que podría ser más interesante con mayor interacción entre la protagonista y su entorno.

SAINT MAUD

LA INFLUENCIA DEL HORROR CONTEMPORÁNEO

Es imposible ver Saint Maud y no relacionarla a The VVitch (2015), ya que no solo están unidas temáticamente, sino que exploran la espiritualidad y la locura con un tono similar. Podríamos decir que son películas complementarias, diferentes lados de la misma moneda en cuanto al camino que recorren las protagonistas. Hay una escena en particular que es idéntica al momento en que Black Phillip habla con Anya Taylor-Joy al final de The VVitch. Esta comparación resulta poco favorable para Saint Maud: al lado del film de Robert Eggers, el debut de Glass es bastante inferior.

Lo mejor de la película son las secuencias de terror y la transformación de Maud. Los momentos que dan miedo son pocos pero súper efectivos y están filmados con un estilo muy particular. Hay varios planos incómodos, atravesados, que ponen a la protagonista fuera de su eje. La directora fue muy ambiciosa con la propuesta visual y en general le salió muy bien. Luego de una meseta al final del segundo acto, Saint Maud decanta en un cierre bien propio del terror que suele distribuir A24, con todo lo bueno y malo que eso conlleva.

Saint Maud es uno de los raros casos en que una película podría servirse de ser más larga para explorar mejor la relación entre enfermera y paciente. Aun así es un film muy interesante que combina drama, horror y la ansiedad espiritual que genera el trauma. Tiene un ritmo tranquilo, pero al final recompensa la paciencia del público con algunas imágenes muy potentes.

NEWS OF THE WORLD: MIRANDO AL OESTE

NEWS OF THE WORLD: MIRANDO AL OESTE

El western es el género más tradicional del cine Estadounidense, en sus historias se exploran el honor, la política y los mitos fundacionales del país del norte. En su adaptación de la novela News of the World de Paulette Jiles, Paul Greengrass (Captain Philips, 2013) dialoga tanto con ese legado cinematográfica como con el presente. Estrenada en Netflix, con Tom Hanks y Helena Zengel como protagonistas, se trata de un relato tan “old school” que resulta refrescante.

News of the World está ambientada en 1870 y cuenta la travesía de Jeffrey Kidd (Hanks), un ex capitán devenido en lector de periódicos que debe escoltar a Johanna (Zengel), una niña alemana criada por nativos. En el camino se encuentran con múltiples obstáculos en la forma de bandidos y turbulencias sociales. Se trata de un viaje transformador, que se emparenta mas con el western americano que con el italiano. Hay violencia y suspenso, pero el foco esta puesto en la relación de Kidd y la niña con ese pasado traumático y, en un nivel macro, del país entero con la guerra que acaba de culminar. Como en toda aventura, el viaje literal y el simbólico están entreverados.

NEWS OF THE WORLD

NEWS OF THE WORLD Y EL VIAJE DE REGRESO

Paul Greengrass declaro que su influencia principal fue el cine de John Ford, en particular The Man Who Shot Liberty Valance y The Searchers. Con esta última, News of the World comparte varias aristas temáticas, el Ethan Edwards de John Wayne se ve reflejado y re evaluado en el personaje de Tom Hanks. El retorno al pasado para comprender el presente es un problema central en todo western.

MALCOLM & MARIE: DRAMA EN TIEMPO REAL

Greengrass incluso se apropia del mítico plano final de The Searchers en el clímax dramático de su película, pero los significados están invertidos. Mientras que John Wayne se pierde en la soledad de una tormenta de arena, Tom Hanks encuentra una nueva oportunidad vagando por el desierto junto a Johanna. Ford le decía adiós al mundo de antaño dejando ir a su héroe, Greengrass transforma el encuadre en una puerta que mira al futuro. 

NEWS OF THE WORLD

VAGANDO BAJO EL SOL

El film transcurre mayormente en exteriores, bajo el sol abrasador y cielos nocturnos bellísimos. Abundan los planos generales. Greengrass abandona por un momento su estilo nervioso y acelerado para contemplar a sus personajes y la naturaleza que los rodea. Al tener una estructura episódica de pequeñas aventuras intercaladas por momentos tranquilos, el ritmo se ve afectado. Esto no llega a volver tediosa a News of the World, pero si propone un pulso diferente al de las producciones modernas.

Las actuaciones de Hanks y de Zengel son el corazón de la película. La joven alemana viene de protagonizar System Crasher en 2019, un éxito dentro del circuito independiente. Este es su primer rol en una producción de habla inglesa y esa barrera idiomática fue aprovechada por Greengrass para construir a Johanna. En ella se hacen carne muchas de las tensiones. Es una niña raptada de sus padres, criada por nativos y que quedo huérfana nuevamente a manos de colonos. El círculo de la violencia iniciada por el colonialismo es el pasado con el que ella tiene que reconciliarse para poder avanzar.

NOTICIAS DEL MUNDO NUEVO

El capitán Kidd se dedica a viajar de pueblo en pueblo leyendo periódicos al precio de 10 centavos, hace de la noticia un espectáculo, construye una puesta en escena a partir de la realidad. En News of the World, Greengrass reflexiona sobre el poder del cuento para transformar la historia en mito, y así conformar una identidad comunal que sane heridas. Las historias de unión dialogan tanto con el país partido por la guerra que transita Kidd, como con cualquier democracia moderna.