¿HACIA DÓNDE VA EL CINE DE SUPERHÉROES?

¿HACIA DÓNDE VA EL CINE DE SUPERHÉROES?

Indudablemente, los superhéroes fueron los claros dominadores de la últimas dos décadas del entretenimiento. Esos seres superiores con poderes diversos, que en su gran mayoría iniciaron su recorrido en el formato del cómic, hoy forman parte de las producciones más ambiciosas, prolíficas y redituables de la industria cinematográfica, tanto en las series como (principalmente) en el cine. Sin embargo, no por tener superpoderes se está exento de la caída. El agotamiento del público y la sobreexplotación de las fórmulas que, evidentemente, funcionan, afectan a cualquiera. Por eso, es necesaria una constante reinvención del género para no caer en repeticiones aburridas. La historia puede servir para aventurar qué depara el futuro.

LOS INICIOS

Las primeras incursiones de los superhéroes en el cine coinciden con el éxito de los cómics, en la década del 40. Principalmente, se trataba de películas seriales (episodios cortos) de Batman, Capitán América o Superman. Luego siguieron algunas series de TV en las décadas de los 50s y 60s. La más famosa: la inolvidable serie de Batman de Adam West, entre 1966 y 1968, que aún hoy es recordada con cariño por los seguidores.

Pero la incursión fuerte en el cine fue recién en 1978, con la muy bien recibida Superman de Richard Donner (The Omen). Tal fue el alcance de la adaptación, que el hombre de acero tuvo otras tres películas en la década siguiente. Algo similar sucedió con Batman (1989) de Tim Burton (Edward Scissorhands), que también tuvo tres continuaciones. Ambas franquicias sufrirían el mismo mal: pésimas secuelas. Tanto Superman IV (Sidney Furie) como Batman & Robin (Joel Schumacher) son desastrosas, de lo peor que se ha hecho con esos personajes. Por eso fueron las últimas de cada saga. Pero no son las únicas películas horribles de superhéroes de los 90. Hay que mencionar también las olvidables Captain America (Albert Pyun) y The Fantastic Four (Oley Sassone), que no se quedan atrás. Quizás esta serie de fracasos estrepitosos haya retrasado el fenómeno que vemos hoy en día por varios años. Imposible saberlo.

THE CROW

THE CROW

Lo cierto es que, en paralelo, algo bueno se estaba gestando. En 1994 se estrena The Crow (Alex Proyas) con gran repercusión debido a la muerte accidental del actor protagónico durante el rodaje. Pero la película tiene méritos propios, y marca un quiebre con respecto a lo que se venía haciendo. Además de convertirse en la primera franquicia basada en un cómic independiente, The Crow es una peli de superhéroes mucho más oscura y sangrienta, para un público más adulto. Esto sería clave para que existan las películas de Spawn (Mark Dippé) o la trilogía de Blade (Stephen Norrington), donde el protagonista pasa a ser un anti-héroe.

LOS 2000 Y LA ERA DORADA DE LOS SUPERHÉROES

El nuevo milenio comienza con una serie de películas de superhéroes que buscaban relanzar el género. Algunas lo lograron con bastante éxito y se transformaron en franquicias muy rentables para las compañías. X-men, Spiderman, Hellboy, por nombrar solo algunas que tuvieron varias entregas. Pero la década del 2000 tuvo dos momentos realmente importantes en esta historia. El primero: el estreno en 2005 de Batman Begins, la primera de la trilogía de Christopher Nolan (Inception). Este reboot significaría un cambio de paradigma estético para el caballero de la noche y para el futuro de DC. Mucho más sombrío, cruento y dramático, tanto en el aspecto visual como narrativo.

El segundo momento de quiebre también se empezó a gestar en el año 2005. Marvel comenzó a producir de manera independiente sus propias películas, siendo la primera en estrenarse Iron-Man (Jon Favreau) en 2008. La creación de su Universo Cinematográfico (MCU) revitalizó a este tipo de historias con un toque especial que marcaría su destino. Al igual que hiciera Stan Lee con los cómics en la década del 60, la idea principal del MCU era entregar películas particulares de cada héroe, para luego juntarlos en el crossover más grande hasta el momento: Avengers. El resto, es historia. El éxito fue descomunal, cada película superaba en taquilla a las anteriores. Se produjeron en total 23 películas, conformando así la Saga del Infinito.

AVENGERS

AVENGERS

GUERRA DE GIGANTES

Claramente, la última década estuvo marcada por una fuerte disputa entre las dos grandes compañías del género. El ganador indiscutido fue Marvel, que supo llevar adelante un proyecto más ambicioso, con una fórmula tremendamente efectiva. Pensadas para un amplio público de todas las edades, con toques de humor, mucha acción e historias atrapantes. Generó además un fenómeno que se extendió a otros géneros y franquicias: los multitudinarios crossovers que reúnen elencos espectaculares. Esa maravilla de planificación y diseño que es el MCU marcó un antes y un después en el cine de superhéroes, que luego se extendió al formato de las series en TV y de plataformas.

DC, por su parte, siguió apostando por una visión más cruda y menos edulcorada del mundo de los superhéroes. Así, luego de la gran trilogía de Batman que desarrolló Nolan, el encargado de formar el Universo Extendido (DCEU) que reuniera a los principales personajes fue Zack Snyder (300). Ya sabemos que esto no salió del todo bien, pero al menos Snyder intentó darle un toque distintivo al DCEU. Igualmente, y ahora sí pensando ya en el futuro, quizás lo más interesante que dejó el director fue su primera adaptación de un cómic de DC, allá por el 2009: Watchmen.

JUSTICE LEAGUE

JUSTICE LEAGUE

EL BIEN Y EL MAL

La historia nos demuestra constantemente que los éxitos de hoy son los fracasos de mañana. Nada es para siempre, ninguna fórmula es infalible ni eterna. Lo que en la actualidad parece funcionar a la perfección, podría dejar de hacerlo en cualquier momento. Por eso, algo tan establecido como el género de superhéroes debe reconvertirse constantemente para seguir estando arriba. Y algo de eso ya está sucediendo.

Ni siquiera vale la pena mencionar que los límites clásicos del bien y el mal han sido trastocados. Ni los buenos son tan buenos, ni los malos son tan malos. La figura del anti-héroes es hoy en día más común que la del héroe clásico. Todos tienen sus demonios internos, su pasado oscuro, sus decisiones cuestionables. Iron-man es frío y egoísta, Batman busca venganza, Deadpool es… un caso aparte. En definitiva, ya nadie supone que el héroe vaya a ser moralmente intachable, ni mucho menos. Pero esto de ninguna manera anula la esencia de la lucha entre el bien y el mal, que es una pata fundamental del universo de los superhéroes.

Por otro lado, tenemos a los villanos que ya no son tan malos. Y no hablamos de los que se convierten en los nuevos héroes como Loki o los del Suicide Squad. Cada vez más, los antagonistas tienen un motivo concreto que los lleva a actuar. Están más justificados. En cierta forma, siempre lo tuvieron, pero hoy se puede ver un esfuerzo por construir la lógica interna del villano. Thanos tiene un propósito, puede ser cruel pero tiene sentido lo que plantea. Lo mismo sucede con el Joker: puede estar loco, pero no deja de ser coherente consigo mismo. Tal es así que tenemos una gran película (Joker del 2019) explicando por qué es como es, y casi que lo entendemos.

THE BOYS

THE BOYS

LOS SUPERHÉROES DEL FUTURO

Pero esta borradura de la línea entre el bien y el mal no es lo más relevante hoy en día. Es casi una obviedad. Ya damos por sentado que nada es tan definitivo, que hay grises, hay matices, y las cosas pueden no ser como parecen. Hay otra cuestión más profunda que se pone en juego en algunas películas y series de los últimos años. Si destacamos a Watchmen es porque fue la primera vez (al menos tan masivamente) que se cuestionó a los superhéroes. Pero no de una manera individual: no se trata de comprobar si tal o cual cumple con los requisitos, si actúa bien o mal, si cometió un error o un crimen. Lo que se plantea es un mundo post-heroico, donde el concepto mismo de “superhéroe” es puesto a discusión. Claro, el cómic tiene 35 años, pero es normal que el cine vaya mucho más retrasado.

Algo de esta cuestión también puede verse en Batman vs Superman (2016), también de Snyder. Y, mucho antes, en toda la saga de X-men, con la pregunta sobre si los humanos y los mutantes pueden convivir. Recientemente, tenemos la crítica interesante de The Boys (Eric Kripke), donde los roles se invierten y los súper pasan a ser los malos de la historia. De nuevo, esto no anula la disputa entre el bien y el mal, que está en la base del género. Pero sí es una muestra de que la crisis de los superhéroes está dentro de su mundo, y no fuera. No va a venir algo más que derroque su reinado, van a caer por su propio peso.

Lo curioso es que esto último vale tanto para los personajes como para la industria en general. Si los superhéroes son cuestionados, es porque todo el entramado está llegando a sus límites. Por el momento, el mismo sistema ha sabido explotar esta tensión y generar algunas de las historias más interesantes. Pero, de nuevo, nada dura para siempre.

La nueva saga de Marvel acaba de comenzar con WandaVision y The Falcon and the Winter Soldier en Disney+. Mientras tanto, DC apuesta por una reconstrucción de su universo a partir del esperado semi-reboot de The Suicide Squad (James Gunn). Veremos si logran ofrecer algo novedoso para superar el agotamiento que, más temprano que tarde, llegará a un público que hasta el momento se mantiene fiel.

REVIEW – ELIZABETHTOWN: BÁSICOS, COLOR, ROADTRIP Y BUENA MÚSICA

REVIEW – ELIZABETHTOWN: BÁSICOS, COLOR, ROADTRIP Y BUENA MÚSICA

Elizabethtown (2005) es la típica comedia romántica en la que el chico lindo que tiene problemas se enamora de la chica linda. Pasó sin pena ni gloria por las carteleras pero tiene algunas cosas interesantes.

Orlando Bloom interpreta a Drew Baylor, en su primer papel importante fuera de las sagas El Señor de los Anillos (2001, 2002 y 2003) y Piratas del Caribe (2003, 2006 y 2007). Y lo único que podemos destacar de él en Elizabethtown es el mensaje que nos deja.

Un diseñador de zapatillas dedicado a su trabajo se da cuenta, con la muerte de su padre, que postergó momentos importantes de su vida, sin compartirlos con su familia. Ese es el mensaje, vale mucho para los tiempos que corren.

En su viaje a Elizabethtown, Kentucky, para buscar los restos de su padre, Drew conoce a Claire (Kirsten Dunst), una azafata con una visión de la vida muy particular. Y en ella y su styling nos vamos a enfocar. Lo interesante de todos sus looks es cómo con pocos elementos, básicos, accesorios y un poco de color, podemos hacer mucho.

LA CHICA DEL GORRO ROJO Y SU TRENCH CODE

El vestuario de Kirsten Dunst en Elizabethtown es una clase de cómo lograr un outfit destacado con solamente dos o tres ítems. Tenemos permiso para robarnos estas ideas.

Una vez que deja su uniforme de azafata, Claire tiene un look descontracturado en el que hay tres prendas que se destacan en toda la película: un trench coat, un bolso naranja y un gorro de lana rojo, que es EL accesorio protagonista.

El Trench es la prenda básica que todos, y no me refiero solamente a mujeres, deberíamos tener en nuestro guardarropa, y lo usamos no solamente en días de lluvia. ¡Va con todo! En este caso vemos cómo podemos acompañar un look muy formal y bajarlo un poco con un trench.

Claire acusa venir de una entrevista de trabajo luciendo un vestido azul muy ajustado, tacos rojos y nuestra prenda básica que acompaña y hace que el outfit sea un poco más apropiado para usar de día. El otro detalle es el bolso naranja que le da el toque urbano y de color.

ELIZABETHTOWN: Kirsten Dunst con un vestido azul muy formal.

ELIZABETHTOWN: Kirsten Dunst, el trench y un look más informal con el mismo vestido azul.

UN TOUCH DE COLOR, LA CLAVE PARA SER PROTAGONISTA

El bolso naranja es otro de los destacados en los outfits de Claire en Elizabethtown. Lo vimos anteriormente colgado al costado de ese vestido azul. Y con el trench.

En otro pasaje de la película, con ropa distinta pero en los mismos tonos, ese maxi bolso usado como bandolera también aporta un toque llamativo. Pollera floreada, remera básica blanca, cárdigan azul y le sumamos color y textura con el bolso cruzado.

ELIZABETHTOWN: El bolso naranja cruzado como bandolera, el toque de color para un look sencillo de Kirsten Dunst.

Sin embargo, el accesorio que se lleva todas las miradas en Elizabethtown es el gorro rojo de lana. Kirsten Dunst lo usa en un par de ocasiones y realmente es hipnótico. ¿Por qué?  Porque nada de lo que tiene puesto le saca el protagonismo.

Prendas básicas, colores neutros, alguna que otra estampa y nada más. El gorro rojo sobre esa cabellera rubia es todo lo que necesitamos. Y si no, veamos.

ELIZABETHTOWN: El gorro rojo es el gran protagonista del outfit de Kirsten Dunst.

ELIZABETHTOWN: Color + una prenda básica, infalible look de Kirsten Dunst.

Definitivamente son looks que cualquiera de nosotras podría usar, no necesitamos mucho y acá tenemos varias opciones para combinar un mismo accesorio. Este es un review distinto para saber que siempre hay cosas que se pueden rescatar de una película.

LO MEJOR DE ELIZABETHTOWN, ROADTRIP Y BUENA MÚSICA

Y para hablar de lo mejor que tiene Elizabethtown, hablaremos de música. Y de un maravilloso roadtrip por el centro de los Estados Unidos.

De principio a fin el soundtrack de la cinta no tiene desperdicio. La música original fue compuesta por Nancy Wilson. Y además hay una mezcla perfecta de clásicos en la que escuchamos a Tom Petty, Elton John, U2, Lindsey Buckingham, Ryan Adams, My Morning Jacket, entre otros.

No es, acaso, Learning to fly (Tom Petty and The Heartbrakers) una canción que escucharías en un roadtrip? Definitivamente.

Una de las cosas que Claire le dice a Drew en la película es que todos deberíamos hacer un roadtrip alguna vez en nuestra vida. Y tiene razón. Agarrar el auto, buena música y emprender el viaje.

Orlando Bloom se sumerge en un viaje de 42 horas que lo lleva desde Elizabethtown en Kentucky hasta Oregon. Con un mapa (Claire Style) que tiene varios puntos atractivos donde parar. Historia pura, pequeños monumentos, hermosos paisajes y una bifurcación que lo lleva a encontrarse con the girl in a red hat.

OKUPAS LLEGA A NETFLIX A 20 AÑOS DE SU ESTRENO

OKUPAS LLEGA A NETFLIX A 20 AÑOS DE SU ESTRENO

Hay películas y series que, por alguna circunstancia más o menos clara de su historia, pasan a ser de culto. Puede ser por el contenido de lo que narran, por la forma o por algo externo que les da cierta mística. Nunca se sabe muy bien por qué pasa, pero pasa. Y es así como ciertos productos audiovisuales se ganan ese estatus, con su correspondiente tribu que los banca a pesar del paso de los años. Si queremos hablar de la serie de culto argentina por excelencia, esa es Okupas. A veinte años de su estreno, Netflix confirmó que pronto podremos verla en su plataforma.

Un tuit de CheNetflix, la cuenta argenta de la popular compañía, sacudió a los fanáticos. Si bien ya se sabía que el proyecto estaba encaminado, el video tráiler que empezó a circular en las redes reavivó la fantasía de volver a ver Okupas, esta vez en HD. Los tiempos cambiaron, la tecnología avanzó muchísimo, pero la serie ideada y dirigida por Bruno Stagnaro (Un gallo para Esculapio) sigue siendo muy actual.

LA MARGINALIDAD EN LA TV

Para ponernos en contexto, cuando se estrenó Okupas en el año 2000, la televisión argentina estaba ocupada en otros asuntos. Las series de la época estaban protagonizadas por personas de clase media o media-baja. Se intentaba mostrar la cotidianeidad con esa suerte de costumbrismo medio inocente. Intencionalmente o no, la realidad de los barrios populares quedaba fuera de la tevé. Okupas llegó para mostrar algo que permanecía oculto en las ficciones de los medios masivos: la marginalidad.

Bruno Stagnaro venía de hacer Pizza, Birra, Faso (1998), una película bastante disruptiva, que tuvo muy buenas críticas. Hecha con muy bajo presupuesto, recibió varios premios y es considerada un exponente del Nuevo Cine Argentino. Muchos de los motivos o temas que trataba en la película son retomados en Okupas. Robos, pungas, pibes callejeando en las calles de Buenos Aires, drogas, bardo. Locaciones reales, espacios de las calles de la ciudad, actores que no eran profesionales que se sumaban a la filmación. Algo así como un Neorrealismo argentino. Y es que el realismo de la serie es impactante. Tanto las actuaciones como los escenarios buscan reflejar de manera fiel la vida de estos jóvenes marginales.

RELIDAD O FICCIÓN

Okupas narra la historia de un grupo de amigos que viven en carne propia lo más crudo de la vida en la ciudad. Ricardo (Rodrigo De la Serna) es un pibe de clase media que dejó el estudio y no tiene trabajo. Su prima le ofrece cuidar un caserón que estaba ocupado y fue desalojado, para que los ocupantes no se vuelvan a meter. Para ayudarlo a cuidar la casa, Ricardo llama al Pollo (Diego Alonso) y luego se suman el Chiqui (Franco Tirri) y Walter (Ariel Staltari). A partir de ese momento, los cuatro se van a ir metiendo cada vez más en el submundo de Buenos Aires, al que Ricardo es bastante ajeno.

OKUPAS

OKUPAS

El único actor conocido hasta ese momento era Rodrigo de la Serna, quien antes de Okupas había participado en varias series nacionales de la época. El resto eran, o bien del under, como Diego Alonso y Ariel Staltari, o directamente nunca habían actuado. Es ya famosa la anécdota del casting de Dante Mastropierro, cuando fue seleccionado para el papel del Negro Pablo. Tenía que representar un asalto en plena calle, entonces Dante le consultó a Stagnaro si la escena sería de día o de noche. El director no entendía cuál era la diferencia, a lo que Dante le contestó: “de día te voy a robar de una manera y de noche te voy a robar de otra”.

NUEVA MÚSICA, MISMA ESCENCIA

La bomba de Netflix fue muy bien recibida por los fanáticos de la serie, aunque no todas son buenas noticias. Es que, si bien vamos a poder disfrutarla en muy buena calidad, no vamos a contar con la banda de sonido original. En su momento, no había una reglamentación tan estricta con respecto al copyright, por lo que la serie fue musicalizada a gusto de los realizadores. Temas de Sumo, los Redondos, Almendra, Pescado Rabioso. Incluso de los Beatles o de los Rolling Stones. Estos últimos son quizás los más problemáticos a la hora de reponer la serie, ya que los derechos de autor resultarían carísimos. Por eso, en el regreso de la serie, Netflix tomó la decisión de rehacer la banda de sonido. El encargado fue Santiago Motorizado (El mató a un policía motorizado), quien compuso varios temas para volver a musicalizar Okupas.

Pese a esto, sin dudas se trata de una excelente noticia. Ya sea que la hayas visto en su momento y quieras revivirla, o que tengas la oportunidad de acercarte por primera vez, es imposible no sentirse movilizado por esta obra. Okupas nos dejó una gran variedad de novedades, que difícilmente se hayan podido igualar. Desde las escenas con mayor tensión e incomodidad de la historia de la televisión argentina, hasta las frases más ocurrentes que, aún hoy, siguen resonando en el público.

LANZAMIENTOS DE VIDEOJUEGOS EN MAYO 2021

LANZAMIENTOS DE VIDEOJUEGOS EN MAYO 2021

Mayo probablemente sea uno de los meses más intensos del año en la industria del gaming. Solo este mes incluye más de 30 lanzamientos. Por supuesto, te decimos todo lo que se viene en Spinoff Tv.

LA PRIMERA QUINCENA DE MAYO

Entre los que ya salieron encontramos a The Colonist para Ps4, XOne y Switch, lanzado el 4 de mayo. Se trata de un administrador de recursos con una estética simpática, donde organizamos una colonia de tiernos robots que están poblando un nuevo planeta. Nongunz: Doppelganger Edition salió al día siguiente en PC, Ps4, XOne y Switch, posicionándose como un roguelite plataformero con una estética lúgubre en pixel-art. Metro Exodus: Enhanced Edition vió la luz en PC el 6 de mayo, mostrando una versión mejorada del juego de 2019.

En el mismo día, Skate City muestra que es posible reinventar los juegos de skate e incluso armonizarlos con la estética minimalista. Está disponible en PC, Ps4, Xbox One y Switch. El 7 de mayo finalmente salió uno de los juegos más esperados del año: Resident Evil Village fue lanzado mundialmente para PC, Ps4, Ps5, Xbox One y Xbox Series X. ¿Será candidato al Game Of The Year en diciembre? Por otro lado, el multijugador medieval oscuro Hood: Outlaws and Legends estrenó sus servidores el 10 de mayo en Ps4, Ps5, XOne, XSX y PC. En cuanto a Switch, este 14 de mayo llegan a occidente dos juegos de Famicom Detective Club: The Missing Heir y The Girl Who Stands Behind, tal como les adelantamos en febrero.

Otro de los estrenos más importantes del año se va a realizar este mes. Se trata de Mass Effect: Legendary Edition, la remasterización de los primeros tres juegos de la ópera espacial más famosa de los videojuegos. Llegará Xbox One, Series X, Ps4, Ps5 y PC el 14 de mayo. El mismo día se estrena Subnautica – Below Zero en PC, Ps4, Switch y XOne. Es la secuela del mundo abierto de exploración donde recorremos un océano alienígena.

MAYO

MASS EFFECT: LEGENDARY EDITION

LA SEGUNDA MITAD DEL MES

Days Gone supo ser un exclusivo de Playstation 4, pero eso terminará su inminente lanzamiento en PC, donde el 18 de mayo podremos disfrutar de su mundo plagado de zombies. El simulador de conducción de camiones, Snowrunner, llega a Switch en la misma fecha. The Wild at Heart es una aventura colorida y mágica que podremos ver el 20 de mayo en PC y Xbox One. Nintendo por su parte sigue trayendo juegos nunca antes lanzados en occidente, este vez se trata de Kowloon High-School Chronicle. El RPG que invita a descubrir un tesoro oculto en un secundario llega a la actual generación de la gran N el 21 de mayo. El mismo día sale, finalmente, el nuevo multijugador online de EA games: Knockout City trae la forma más extrema de jugar “quemados” a PC, Ps4, Switch y Xbox One.

Miitopia regresa en forma de remasterización este 21 de mayo. El querido juego de rol con los personajes de Mii da un salto desde la 3Ds hasta la Switch. Tras su revival en Twitch, Rust llega a consolas para que los jugadores sobrevivan en Playstation 4 y Xbox One el mismo día que Miitopia. Finalizando en la misma fecha, podremos disfrutar del relanzamiento de un juego de Switch y Ps4. También tenemos a Void Terrarium ++, el cual es un juego de aventura y supervivencia que nos plantea un mundo distópico, el cual veremos en Ps5.

Biomutant será lanzado el 25 de mayo en PC, Ps4 y Xbox One, se trata de un RPG de mundo abierto donde los animales humanoides son la raza predominante. La exclusividad temporal de Capcom Arcade Stadium en Switch finalizará el mismo día, donde el compilado de juegos arcade llegará a PC, Xbox One y Playstation 4. Además, en el mismo día sale Erica en PC para revivir una técnica algo olvidada de los videojuegos: Full Motion Video. Es un juego de suspenso y acción con actores reales.

El mismo día sale Maneater en Switch, donde somos un tiburón sediento de sangre humana. También saldrá el Very Very Valet el mismo día y en la misma consola, donde se nos propone estacionar autos en escenarios irrisorios. El gran anuncio de esta fecha es el Shin Megami Tensei III Nocture HD Remaster, como su nombre lo indica es la remasterización del clásico RPG de Atlus. Podrán disfrutar nuevamente de esta joya del rol en Ps4, Switch y PC a través de Steam.

MAYO

SHIN MEGAMI TENSEI III NOCTURNE – HD REMASTER

LO QUE LLEGA A FIN DE MAYO

Los combates en mecha vienen con todo de la mano de MechWarrior 5: Mercenaries el 27 de mayo en Xbox Series X. El mismo día aterrizan en Switch una trilogía del universo Oddworld: The Oddworld Collection, la cual compila New ‘n’ Tasty, Munch’s Oddysee y Stranger’s Wrath. El mundo de fantasía oscura de Age of Sigmar dará un salto a los videojuegos en Warhammer: Age of Sigmar – Stormground el 27 de mayo en Switch, Xbox One, Ps4 y PC. The Longest Road on Earth es de la misma desarrolladora del anterior mencionado Nongunz. Con una estética en blanco y negro y la característica de no poseer dialogos, podremos crear nuestra propia narrativa en PC el 27 de mayo.

De mano de un estudio español, Song of Horror viene a revolucionar los juegos de terror cambiando en cada partida, las cuales podrán jugarse en Ps4 y Xbox One el 28 de mayo. Wonder Boy hace su regreso a los videojuegos con Wonder Boy: Asha in Monster World el 28 de mayo en Ps4 y Switch. En la última mencionada también podremos disfrutar de World’s End Club, una aventura plagada de misterios por parte de los creadores de Danganronpa que también será lanzada el 28 de mayo.

MAYO

WORLD’S END CLUB

Finalizando con los anuncios, Call of the Sea está anunciado para desembarcar este mes en Playstation 4 y 5 pero sin fecha definitiva. En la misma situación se encuentra Mini Motorways, un indie de estrategia sin fecha de lanzamiento pero con la promesa de que verá la luz este mes. Y vos, ¿qué vas a jugar en mayo?

LANZAMIENTO DE VIDEOJUEGOS EN ABRIL 2021
DE ‘DAWN OF THE DEAD’ A ‘ARMY OF THE DEAD’

DE ‘DAWN OF THE DEAD’ A ‘ARMY OF THE DEAD’

Zack Snyder es uno de esos directores que marcan un estilo autoral muy propio, con grandes aciertos en películas como 300 y Watchmen, y algunas otras olvidables como Sucker Punch. Últimamente, estuvo en boca de todo el mundo con la llegada de su corte de Justice League, luego de una historia más que problemática. En los próximos días saldrá a la luz en Netflix Army of the Dead, donde podríamos decir que regresa a sus orígenes: los zombis. A la espera del estreno, vamos a recordar Dawn of the Dead, aquella opera prima que lo posicionó como director.

REMAKE CON EL TOQUE SNYDER

En el año 2004, Snyder hizo su debut en la gran pantalla con Dawn of the Dead. Se trata de una remake de la película homónima de 1978 escrita y dirigida por el gran (me pongo de pie) George Romero. Aunque, como suele suceder, no se trata de una adaptación exacta de aquella. La primera diferencia notable que vemos tiene que ver con la movilidad de los muertos vivos. En la original, y en casi toda la historia del género, los zombis eran seres obstinados, pero lentos y torpes. Prácticamente se arrastraban. Eso cambió a partir del 2002, cuando Danny Boyle presentó su 28 Days Later y sentó las bases de la reinvención del género.

DAWN OF THE DEAD

DAWN OF THE DEAD

Por supuesto, a Snyder le viene al pelo este comportamiento irascible y frenético de los zombis para poner en marcha su maquinaria de acción. Una energía salvaje y brutal, llena de sangre y violencia, será el motor del relato. Incluso, por momentos ese vértigo se lleva puesto al guion, generando algunas incongruencias que, entre las corridas por sobrevivir y la matanza de los no-muertos, pasan de largo. La paranoia que se vive en todo momento y el peligro inminente, crean la atmósfera de Dawn of the Dead desde el comienzo hasta el último segundo.

LA IMAGEN DEL CAOS

La fórmula clásica de un grupo de sobrevivientes que se refugia y debe resistir el ataque de los zombis, en este caso se desarrolla en un gran centro comercial. Nuestra protagonista es Anna, interpretada por Sarah Polley (My Life Without Me), una enfermera que, de la noche a la mañana, se despierta en el medio del apocalipsis. Tras escapar del primer ataque, se va a encontrar con Kenneth, un policía  representado por Ving Rhames (Pulp Fiction). Juntos van a recorrer la ciudad hasta conocer al resto de los personajes que los guiarán hasta el shopping, que usarán como refugio.

Hay varios momento icónicos por su impacto visual (algunos lo llamarán efectismo) como pueden ser la escena del nacimiento o la llegada en carretilla de la señora herida. Pero sin dudas lo más avasallante son los planos panorámicos, donde la escena se nos muestra con cierta distancia. Ya sea desde la altura o la lejanía, el escenario cargado de destrucción y muertos vivos por doquier refleja esa visión desoladora del mundo. Visión muy clásica de Snyder, en lo que vendría luego de Dawn of the Dead. La contundencia visual del caos desatado es uno de los puntos más fuertes de la película.

DAWN OF THE DEAD

DAWN OF THE DEAD

EL EJÉRCITO DE LOS MUERTOS

El guion de James Gunn (Guardians of the Galaxy) es sólido en cuanto a la adaptación de la original de Romero. Si bien tiene algunas fisuras (lo del perro es inexplicable), la actualización que hace del clásico es correcta. Los personajes son bien arquetípicos, pero eso no es un problema en este tipo de películas. De hecho, el grupo funciona porque cada uno ocupa su rol, bien definido.

Dawn of the Dead, tanto la original como la remake, son una crítica a la sociedad de consumo norteamericana. La elección de Romero de situarla en un centro comercial es una muestra clara. La versión de Snyder ofrece varias cosas interesantes: acción frenética, mucha sangre e imágenes impactantes. Es un gran exponente del género zombi, que ha ido creciendo desde entonces. Para muchos, es considerada la mejor película del director. Esperemos que pueda superarse a sí mismo con Army of the Dead.